Quantcast
Channel: NADIVADLO
Viewing all 1135 articles
Browse latest View live

Švejda: Europe Connexion: Evaluace kvality a etiky v evropských veřejných zakázkách (Divadlo Letí)

$
0
0
O hře Alexandry Badey - té kdovíkolikáté eurodramatické variaci pohádky o zlém nadnárodním kapitalismu, který všechno ovládá a požírá sám sebe a jehož pomahače (zde lobbistu) začne hryzat svědomí, načež se mu (jeho manželce) stane něco opravdu nehezkého - snad ani nemá smysl psát, natolik je to - s prominutím - pitomé, zaujala mě však režie Adama Svozila. Je totiž něčím velice typická pro určitý trend v současném českém divadle.


foto Alexandr Hudeček

Svozilova režie je svižná, splavná, "cool" - činí z textu velice lehkou, přístupnou záležitost. Její určující metodou je ironie. Ironie nikoli ale jako prostředek důmyslně ostřejšího, útočnějšího vidění, ale jako všepožírajícího, nivelizujícího zezábavnění. Shodit se dá všechno. Ano: jistě tenhle postup nějak souvisel s přetvářkou hlavního hrdiny který musí za usměvavou maskou skrývat, co si opravdu myslí; jenže tahle ironie "rozmixovala" i vážnější místa hry, včetně závěru. Po jisté chvíli už to bylo naprosto iritující.
Kdysi se stal morem českého divadla civilismus, dnes je jím tenhle druh ironie.

Premiéra 1. 2. 2019. Více informací o inscenaci zde.

Škorpil: Andělé v Americe (Městská divadla pražská - ABC)

$
0
0

„Autor před čtvrtstoletím vetkl do své fresky klíčová dobová témata…“ Neodvažuji se tohle tvrzení opsané z programu Andělů v Americe zpochybňovat. Je to bezpochyby důležitý text, který formálně v mnohém předběhl svou dobu (když jí Kushner inspirován Brechtem dal až postdramatický ráz) a tématy se přesně trefil do doby, kdy ještě bylo lze věřit v konec dějin, naději změn po konci bipolárního světa, a AIDS a homosexualita stále ještě byla témata hrozivá či tabuizovaná. Jenže konec dějin už popírá i Fukuyama, homosexualita svou tabuizovanou výstřednost naštěstí ztratila a AIDS se přestal díky osvětové kampani a genialitě Antonína Holého rovnat smrtelné morové ráně s potenciálem rozhoupat společnost ke změně.
Nezbylo toho v oné hře mnoho: republikáni, mormoni, pár rozpadlých partnerství, dojemné umírání i zmrtvýchvstání a ne zcela srozumitelné vize a zjevení. Dost na (více jak) celovečerní inscenaci? Jak asi pro koho. Herci podávají obdivuhodný výkon a inscenace v tomto ohledu nemá vadu (v paměti přitom uvízne zejména Tomáš Havlínek). Problém je ale v tom, že si režisér Michal Dočekal s dramaturgy Simonou Petrů a Michalem Zahálkou nedokázali vybrat o čem Anděle dnes hrát. Snad jsou k předloze až příliš uctiví. Snad příliš spoléhají na její unikátnost a proslavenost či na její – když opět ocituji z programu - „plnokrevné charaktery“ (což je mimochodem vzhledem k mozaikovité skladbě textu čirý nesmysl). Andělé v Americeneurazí, nejsou vyloženě špatnou inscenací, ale také nenadchnou a podstatněji neosloví. A díky své konzervativnosti místy snad až příliš odhalují slabiny Kushnerovy předlohy.

Mikulka: Loop (festival Cirkopolis - Cie Stoptoï)

$
0
0
Je půlka února, začal Cirkopolis. Druhý důležitý pražský novocirkusový festival, méně velký a méně slavný než poněkud vykřičená Letní Letná, ale o to sevřenější a leckdy v lecčems i objevnější nebo odvážnější. Což je konec konců logické: je rozdíl, když se inscenace hraje čtrnáct dní ve velkém šapitó nebo dvakrát ve středně velkém sále, konkrétně v Paláci Akropolis nebo v Ponci. Letos k této tradiční dvojici přibyla Karlínská kasárna, ale to na podstatě věci nic nemění: Cirkopolis je zkrátka komorní akce, určená spíš novocirkusovým fajnšmekrům.

To ovšem neznamená, že by se tu nemohly objevit kousky spadající do pomyslné škatulky divácky vstřícného novocirkusového popu. Plně to platí pro úvodní titul letošního ročníku, francouzské trio Cie Stoptoï s inscenací LOOP. Dva žongléři a jeden hudebník nepředstírají, že nabízejí nějaké hluboké sdělení nebo zásadní zážitek, prostě jen poněkud atypickým způsobem žonglují a snaží se přitom být i zábavní.



Atypičnost spočívá především ve využití pružných, zhruba půlmetrových kruhů (pokud má ta věc nějaký odborný název, rád se nechám poučit). S těmi se dá nejen tradičně pohazovat (to se tu téměř neděje), ale také komplikovat manipulaci s klasickými míčky (to se naopak děje často) . A především: když se ta věc šikovně zkroutí a položí na zem, nebo třeba i na hlavu, po chvíli se sama rozmotá a může se vymrštit do vzduchu nebo něco někam odpálit. Vtip je v tom, že se nedá přesně odhadnout, kdy se pomalinké samovolné rozmotávání změní v očekávaný švih, po kterém je nutné kruh chytit nebo provést nějakou další akci. Oba účinkující tak každou chvíli společně s diváky dlouze sledují kusy umělé hmoty, které se na první pohled vůbec nepohybují – což je kupodivu docela zábavné a napínavé. Ostatně jako vždycky, když se v divadle děje něco doopravdy, něco, co nemůže být úplně nacvičené a připravené. Tento rys je ještě podtržen tím, že mezi sebou oba artisté občas soutěží, nejspíš nepředstíraně, kdo dokáže zareagovat rychleji.



O to, aby výše popsané aktivity nebyly moc jednotvárné (upřímně řečeno, chvílemi trochu jednotvárné jsou), se stará především bubeník a příležitostný kytarista. Ten sice velmi dobře hraje a rytmizuje akce, především je tu ale za klauna. Rovněž poněkud atypického: připomíná totiž laskavě zparodovanou figurku rockera klasického sedmdesátkového střihu. Okázale mlátí do své soupravy, předvádí patetická gesta, hází kolem sebe paličkami, několikrát sáhne i po blikající elektrické kytaře. A v závěru dokonce předvede vášnivé „bubenické sólo bez bicích“, to když mu kolegové postupně seberou veškerou výbavu s výjimkou šlapky od kopáku.


Dohromady to vydá na docela milou novocirkusovou hodinku, sice nijak zvlášť ambiciózní, ale chytlavou a v řadě ohledů i docela originální. Dobrá volba jako rozjezd na úvod festivalu.

festivalové stránky zde
foto David Konečný

Mikulka: Kouzelná země

$
0
0

Odkouzlená země


Kouzelná země není inscenace špatná, jenže zároveň není ani nijak zvlášť strhující. Zpočátku oslní efektními obrazy, je ale zřejmé, že nemá zůstat pouze u wilsonovsky elegantní vizuality: Mikuláškova adaptace Topolova románu Noční práce se dotýká – stejně jako předloha – spousty zásadních a nejednoznačných otázek moderní české historie a češství vůbec. Potíž je v tom, že se to dá sledovat spíš s racionálním uznáním typu „převádět knihu tohoto typu do divadelní podoby je strašně obtížné“, než se skutečným zaujetím. Na některé příčiny se dá poukázat vcelku jednoduše, jiné se nacházejí spíše v obtížně popsatelné oblasti „něco tomu chybí“. Zde v několika bodech zkusím připomenout ty nejsnáze uchopitelné problémy - jakkoli nutně nemusejí být úplně nejzásadnější.



- klišé dokážou být hodně nepříjemná. Zde nejhůř ve výstupech, kdy Johanna Tesařová s „náležitým“ prožitkem předvádí starou cikánskou vědmu. (Mimochodem, v Národním divadle mají pro prefabrikované postavy umouněných a rozcuchaných čarodějnic zřejmě slabost, podobně snaživá a srovnatelně nedůvěryhodná expresivita je vidět třeba u Terezy Marečkové ve Sternenhochovi)

- autorovi se snadno napíše, že postava jménem Polka je úžasný kašpar, který svými drzými řečmi baví celou hospodu a ještě ke všemu je neproniknutelně tajemný. Když to pak má David Prachař předvést na jevišti, zůstane u nepříliš jiskřivé, navíc mnohokrát viděné šklebivé ironie. (Tady mám ovšem dojem, že režisér vyslal herce do bitvy, která se nedala vyhrát)



- klišé mohou být i čistě režisérská: třeba ironické použití banální popové písně v kontrastu s drásavou situací. Popěvek Bylo léto, horké léto sice vnějškově souzní s horkem i se situací po srpnu 68, ale je to trochu laciné. Navíc strašně otřískané (sám Mikulášek tenhle trik - s nevalným účinkem - použil i ve své nedávné bergmanovské inscenaci na Zábradlí)

- lze rozumět snaze dostat do inscenace všechno podstatné. Jenže pak hrozí, že z čehosi původně podstatného zůstane slabý a tím vlastně zbytečný odlesk. Třeba celá linie matky-alkoholičky. V románu tvoří vracející se výjevy opilé matky cosi jako refrén, a jsou tak důležitou součást celkově depresivní atmosféry (samozřejmě se vřazují i do tématu „děti a rodiče“). V inscenaci se objeví krátký popis incidentu, ve kterém matčina opilost způsobí zmrzačení jednoho ze synů, a dál už spíš zůstane u ornamentálně vyhlížejících výjevů, ve kterých je matka stylizovaná do podoby Věry Čáslavské (proč vlastně?).



- když už je na jevišti trampolína, měla by mít nějaký smysl. Letmá zmínka o tajemném přeskakování ohně (kterou chytí nejspíš jen ti, kdo mají román v dobré paměti) a pár neurčitých poskoků trojice polosvlečených dívek zcela jistě nestačí

- simulace rvaček či bitek by se měla v činoherních divadlech zakázat výnosem ministra kultury, a to bez výjimky (spolu s šermováním, na které tady naštěstí nedojde). Ironické použití svítícího meče by tentýž výnos povoloval jen ve zcela výjimečných a dobře odůvodněných případech (tedy nikoli v této inscenaci)



Tolik k několika spíše jednoduchým a konkrétním výhradám. Podstatnější ovšem je to, co se tak snadno uchopit nedá: představení po velmi slibném úvodu stále citelněji ztrácí drajv, chybí mu ono výše zmíněné a obtížně zachytitelné „cosi navíc“ (v čemž se zásadně liší od horečnatě naléhavé literární předlohy). Zároveň však platí, že Mikulášek s Markem Cpinem umí vymyslet vizuálně skutečně působivé výjevy, ať už s využitím poloprůsvitných opon nebo třeba pomocí triku, kdy stylizovaná venkovská hospoda pomalu a v protisvětle sjíždí shora z provaziště. Nebo výjev s černými matkami, svrhávajícími bílé kočárky do orchestřiště. Nebo závěrečnou plavbu dvojice osamělých kluků na pramici, kterou si nelze nespojit s putováním ke smrti. A celou řadu dalších. S několika výjimkami (myslím třeba scénu, ve které se strejcovský venkovský esenbák změní v krutého pohůnka nového režimu) tak v Kouzelné zemi trochu paradoxně platí, že čím méně se „hraje“ a čím více je obrazů, tím je to celé lepší. Odhaduji nicméně, že to asi nebyl tak docela záměr.

Více informací zde
O inscenaci budu mluvit v Mozaice ČRO v pátek 22.2. po osmé hodině 

Foto: Martin Špelda

Švejda: Bible 2 (Divadlo NoD)

$
0
0
Divadlo NoD si pod vedením Janka Lesáka a Natálie Preslové našlo na pražské divadelní mapě již pevné místo. Na "mladé ose" (dejme tomu) A studio Rubín - Venuše ve Švehlovce představuje, řekněme, přemýšlivý mainstream. Autorské inscenace, čerpající převážně z nejrůznější lehčí literatury, mají chytlavý tep, vizuál i výchozí nápad, hojně si pohrávají s popkulturními odkazy, zároveň ale vždy v sobě nesou i společensky vážnější osten (a získávají tím ráz až jakýchsi moralit).

foto Petr Florián

Nejinak je tomu i u nejnovější Bible 2, inspirované komiksem Adventures of God. Východiskem je situace: co se se zemí stane, když si Bůh po vyslání svého syna (Ježíše) na zem pár tisíc let zdřímne a vezmou to za něj "šílený" Profesor a "ďábel" Lucy... Inu, ocitne se jen krůček od katastrofy. Inscenace je pojata de facto jako sitcomová perzifláž, která díky výchozímu nápadu Lesákovi a spol. nabízí ohromný potenciál pro vytvoření velice zábavného večera. Zásadní problém ale je, že se jim nepodařilo dát scénáři pevný a kompaktní tvar. Příběhová linka velice škobrtá a rozbíhá se (proto jsou, řekl bych, v inscenaci i časté jingly nejrůznějšího typu), přijít vlastně může cokoli. I tahle fantasy - jak by to dnes v nebi vypadalo, kdyby... - by měla mít svá pravidla a řád.
Není to v NoDu poprvé, co chytrý výchozí nápad je nakonec problematicky realizován. Ať už kvůli říďounkému příběhu (Osamělost komiksových hrdinů) či přeceněné inscenační formě (Fantasy!). Nejvíc se zatím vyvedla Měsíční sonáta č. 11.

Premiéra 22. února 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách.
     

Švejda: Most! (Česká televize)

$
0
0

Kolečko forever


Tvorbu Petra Kolečka jsem - přiznám se - přestal sledovat někdy kolem roku 2012, kdy zvolna kulminovalo jeho angažmá v pozici uměleckého šéfa v A studiu Rubín (které se stalo jakýmsi "centrem příjemné zábavy" tehdejších třicátníků) a autor začal plně přepřahat do atraktivnějších i výnosnějších televizních (a filmových) vod. Popularita televizního seriálu Most!, která - jak správně poznamenala Jindřiška Bláhová v Respektu - si nezadala s ohlasem Dietlovy Nemocnice na kraji města za socialismu, mě ale popostrčila k tomu podívat se, kde dnes Kolečko jako dramatický autor (scénárista) je.



Zůstává pořád stejný. Podařilo se mu však styl, jakým zaujal již na DAMU, prosadit i do takového mainstreamu, jakým je seriál v prime-timu České televize. V Mostu! hovoří stejně nevybíravým jazykem a prohání se po podobně ožehavých tématech jako kdysi. Je velice zdatným fabulátorem, má elementární cit pro dramatičnost, dokáže vše podat v přitažlivé zábavné podobě - a zároveň dotyčný text napsat přesně jakoby "na klíč", na objednávku.
Hlavním tématem Mostu!, na pozadí obligátních vztahových peripetií, jsou předsudky vůči příslušníkům jiných ras (v české kotlině pochopitelně především vůči Romům) i jiného sexuálního založení. Kolečko sděluje, že na jedné i na druhé straně jsou lidé "hodní" a "zlí", že tam i tam kradou, že láska si nevybírá a zamilovat se může kdo s kým. Píše - mohli bychom říct - až státotvorně, přesně tak, co je potřeba z veřejnoprávní televize říct.
Dokud je celé vyprávění ponořeno v onom všeprostupujícím komediálně nadsazeném, karikujícím nálevu, je to vlastně i po uměleckém stránce v pořádku. A v řádu téhle lidové zábavy je koneckonců i trocha té romantiky a kýčovitě uslzeného vyústění. Problém nastává v okamžiku, kdy autor chce říct něco opravdu důležitého, kdy začne tlačit na pilu vážnosti - v tu chvíli jeho vyprávění i postavy začnou šustit papírem a stávají se velice průhledně "osvícenskými".
Operuje-li se často Vančurovým "smát se znamená lépe vědět", pak v případě Petra Kolečka a jeho Mostu! platí: "bavit se a vědět to, co už jsme věděli předtím". Jeho humor rozhodně není takovým, který by nějak znejišťoval a kladl otázky. To už bychom asi chtěli od České televize moc.
 
 

Švejda: Romeo, Julie a tma (Divadlo v Dlouhé)

$
0
0
Divadelní převedení Otčenáškovy "love story z doby heydrichiády" Romeo, Julie a tma v Divadle v Dlouhé má živý dramatický nerv, jaký u Hany Burešové už docela dlouho nepamatuji. Vlastně bych musel jít až někam k Polednímu údělu (2011), kdy tak její práce držela moji pozornost.


Bylo to jednak díky tomu, jak střídmým, oproštěným způsobem (soustředěným na základní dramatickou situaci: mladý muž se rozhodne v domě, kde bydlí, ukrýt židovku) režisérka příběh Pavla a Ester vypráví a jednak zásluhou přesvědčivých hereckých výkonů obou protagonistů: Pavla Neškudly jako zdrženlivého, ale rozhodného Pavla a Marie Poulové coby Ester, energické dívky plné života. Otčenáškova látka sice jednou nohou vězí (bude vězet) v poli dnes již pouhé povinné školní četby (Burešová ji dokáže vztáhnout k dnešku snad jen prostřednictvím dilemat Pavlova otce, jak moc si zadat se stávající mocí), ale inscenaci se daří po celých (užitečně krátkých) devadesát minut udržet napětí a vztah hlavních postav působí zásluhou herců natolik současně, že "druhá noha" ji z této podmíněnosti dosti vyvazuje.
Příznivý dojem z inscenace bohužel ředí (vedle některých realisticky rozplizlých hereckých výkonů - především Miroslava Hanuše) její hypertrofovaný druhý plán - to, čím režisérka vytváří pozadí (zejména společenské; ale i to, co se např. děje v domě), na němž se příběh Pavla a Ester odvíjí. Místo úspornosti naopak volí zmnožování: nestačí jen projekce či reprodukované dobové audiozáznamy, ale zároveň se například často nějak hýbá se scénou (zejména posuvnými panely), doprovodní herci utvářejí všelijaké formace jako výraz "života venku" a především: režisérka sahá ke svému obligátnímu, obnošenému "voicebandovému" recitování sboru, jež je tu "vnitřní hlasem" hrdinů, tu popisuje dobovou atmosféru, tu pomáhá vyprávět příběh. Nejvíce to škodí gradaci samotného závěru, kdy právě tímto způsobem je odvyprávěno tragické finále. Úhrnem bych uvedené nazval jako zbytečný režisérismus.

Premiéra 2. února 2019. Více informací o inscenaci zde.   
 

Švejda: Kytice (Národní divadlo)

$
0
0
SKUTR vytvořil obrazivě - pohybovou inscenaci, jakou si prostor Národního divadla se svými dispozicemi a možnostmi opravdu zaslouží. Dokázal vizuálně cele zaplnit scénu a herce dovést (snad až na pár výjimek) k přesným a zkázněným výkonům - vznikla velice čistá práce.


Oktet Erbenových balad užitečně sceluje jednak "rámcujícím" prostorem - dění se odehrává v impozantně působících kulisách polorozpadlého chrámu - a jednak prostupováním herců mezi baladami; vzniká dojem vesnické pospolitosti, ve které jsou jednotliví příslušníci obtěžkáni svými osudy (vinami) - vyjádřeno je to i přímo: každá z postav přichází v úvodu na scénu s klackem na hlavě. Kukučkovi s Trpišovským se ale především daří vizuálně doslova čarovat; vytvořit opravdu silnou podívanou. Na obrazy, jakým je to topení se mladé vdovy ve vlnách (rozuměj v po celé scéně rozprostřené a různě se vzdouvající modravé látce) v Holubici či sestup dívky pod vodní hladinu  (rozuměj snesení se shůry provaziště na laně dolů na scénu) ve Vodníkovi, člověk jen tak nezapomene.


Jediná potíž této Kytice je v tom, že režiséři z balad nevytahují jejich dramatický element (tedy to, co dělá divadlo divadlem) a inscenaci pojímají vlastně jen jako pouhé vyprávění. Dramaticky se jim nedaří podat ani taková oblíbená "dramata" jako jsou Svatební košile či Polednice (zde dokonce zůstane u pouhého přednesu básně); i dramatu velice blízká, strohá Dceřina kletba je spíše poetizovaná. Dramatické (tragické) vyvrcholení více balad zajišťuje jen podbarvení glassovsky repetitivní hudbou Petra Kalába. Důsledek je ten, že inscenace jako by se od diváka nacházela za jakýmsi sklem, nedokázala nás do svého dění (do jednotlivých příběhů) opravdu vtáhnout. Jak už jsem ale uvedl: jako podívaná působí opravdu silně, takže to vlastně až tak fatálně nevadí.

Premiéra 28. února a 1. března 2019. Více informací o inscenaci zde. 

Mikulka: Burnout aneb Vyhoř! (A-Studio Rubín)

$
0
0
Mám rád divadlo, které se dokáže udržet na hraně vážného a legrace, respektive, které umí pojednávat o vážných záležitostech a přitom se důsledně tvářit, jako že je to vlastně celé jen taková lehká zábava. Zdaleka to není tak jednoduché, jak se na první pohled zdá, mnohem běžnější je model, ve kterém se začne velkou legrací a skončí neméně velkou vážností. Nicméně v Rubínu se to teď vydařilo téměř ukázkově.



Základní situace: za stolem sedí režisér, výtvarnice a dva herci a všichni čtyři mluví „sami za sebe“ o svých uměleckých i lidských stresech, traumatech a samozřejmě i o titulním pocitu vyhoření. Postupně dojde na všemožná klišé, často absurdně převrácená, nápady surreálné i  nefalšovaně poetické. Je to cynicky veselé a zároveň je jasné, že se tu nemele naprázdno, že se docela bezohledně šťourá do témat, se kterými se všichni zúčastnění bolestně rvou. Nebo ještě trochu jinak: po velmi povedené Návštěvě v Národním divadle přišel Jan Frič s další silnou inscenací na téma osobních nejistot, profesní vyčerpanosti a ztráty perspektivy.  Nemám tušení, do jaké míry se tímto způsobem vyrovnává s vlastními démony (jakkoli pravděpodobné se to zdá), z ryze diváckého hlediska však z toho vycházejí velmi silné a zároveň hořce zábavné kusy. Vřele doporučuji.

Více informací zde
O Burnout budu psát do Deníku N a mluvit v Mozaice ČRO (v úterý 5.3. po osmé ráno)


Švejda: Hladová země (Švandovo divadlo)

$
0
0
Popravdě: po přečtení hry Davida Košťáka Hladová země bych na inscenaci Švandova divadla nevsadil pětník. Košťák stvořil průhledné poetizující, symbolistické drama (o hornickém městě, ve kterém je určující ideou "dobře se materiálně mít za každou cenu", rozuměj vytěžit suroviny v dolech třebas i za cenu totální devastace města, jemuž vládne pevnou rukou starostlivý Starosta babišovských rysů); imitaci Josefa Topola, Viktora Dyka a až třeba Maurice Maeterlincka, v níž promenují ne živé, ale vyčpělé prefabrikáty postav. Jde o hru až na hraně nechtěné parodie.



Štěpán Pácl jde ovšem důsledně "proti" textu, básnivost rozhodně nepodporuje a inscenaci v ostrém tempu žene na hranu exprese a grotesky, až kamsi k magickému realismu. Situace důsledně rozehrává, "zživotňuje" a symbolismus hry tím tlumí. Je vidět pevná režijní ruka, která inscenaci dává zřetelný tvar.
Režie zkrátka, řekl bych, dělá co může - ale vše nezmůže. Tam, kde se "ztiší", kde dá průchod vážnosti, z inscenace tezovitost a plakátovost neomylně vylézají - nejvíce ve výstupech Štěpánky a Jakuba (jež jsou jak vystřižené z nějakých dialogů Marie Tomášové a Jana Třísky), v monolozích tajemného, varujícího muže (jenž je reinkarnací zemřelého Petříka); poradit si nedokáže ani s "vejražkovsky" chlapáckým předákem Richardem. Čím víc inscenace spěje k závěru, tím víc se chtě nechtě prozrazuje významová prostota hry, byť se Pácl snaží tlačit na pilu exprese seč může. Kýčovitý, katarzní epilog snad raději nechme stranou.
Štěpán Pácl svedl - sportovní terminologií řečeno - s hru Davida Košťáka poměrně vyrovnaný zápas. Vyhrát ale sotva mohl.

Premiéra 2. března 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách.   

Mikulka: Faust (Divadlo pod Palmovkou)

$
0
0
Tak tohle bylo velké zklamání. Po povedeném Něco za něco jsem se na další Klatovu inscenaci na Palmovce upřímně těšil, ani nemluvě o tom, že Faust je, jak se hezky říkává, opravdický challenge. A ono z toho vyšlo cosi sice mohutného a dlouhého, jenže řídkého a po většinu doby pramálo intenzivního.

Nedaří se tu totiž skoro nic z toho, co tak dobře vycházelo v Něco za něco. Pars pro toto: drastické zjednodušení prvního dílu na příběh Fausta a Markétky není převedením slov do adekvátně silných divadelních obrazů, ale trivializací na trochu nepřehlednou milostnou historku. Výstřední nápady přitom působí spíš jako chtěná provokace, než aby „sloužily celku“. Pokud hraje Kamila Trnková Markétku jako zkrouceného mrzáčka na vozíčku, bez ruky a bez nohy (navíc nemluví, ale ječí pronikavou fistulí), dává to sice příležitost k řadě hezkých groteskních výstupů, jenže samoúčelnost z toho všeho nenapravitelně trčí. To, že Markétka nakonec - spasena - odkráčí hrdě po svých, odůvodnit celou tu svévoli, obávám se, nestačí.

A to stále mluvíme o první třetině inscenace, která byla zdaleka nejpovedenější, diváka totiž budily z letargie občasné výrazné výstupy, především mužného Fausta s absurdně naivní Markétkou nebo Fausta s „rošťácky ironickým“ Mefistem (jiná věc je, že tyhle polohy už mají Jan Teplý a především Tereza Dočkalová docela slušně zautomatizované). V nedějovém druhém dílu, tj. dalších dvou třetinách inscenace, přichází jeden hudební výstup za druhým, přičemž Klata s vytrvalostí hodnou lepší věci nechává zaznít celé nebo skoro celé popové písně na téma ďábel a nebesa, což začne záhy vyznívat mechanicky a ilustrativně. Divadelně přitom dominují inscenačně nenápadité a neobyčejně úmorné sborové recitace a vůbec kolektivní scény (které se tu nedaří téměř bolestně). O něco živější je závěr s umírajícím protagonistou, ale ani tady nedojde na nic mimořádného.

Klatovi samozřejmě nelze upřít, že je šikovný tvůrce a umí si poradit s „velkým plátnem“. Úvodní obraz, kdy v setmělém sále září svítící ďábelské rohy na hlavách diváků a Faust se vylupuje z rakve na nezřetelně nekonečném pozadí je vynikající, stejně tak je působivé finále, kdy za mohutného hudebního doprovodu sjede z provaziště množství sošek Panny Marie (s těmi se navíc ironicky pracovalo již dříve). To jsou však jednotlivosti. Jako celek zůstala inscenace hodně daleko za očekáváním, které vzbuzovalo jak jméno režiséra, tak titul samotný. 


Více informací o inscenaci zde
O Faustovi budu mluvit v Reflexi ČRO Vltava v pátek 8.3.

Švejda: Ladies No Gentlemen (Divadlo Na zábradlí)

$
0
0
Jařabovu hru a la these o domácím násilí páchaném na ženách, o tom, že je třeba, aby se ženy proti mužům vychovaným v rigidním patriarchálním modelu postavily, sebeuvědomily se a získaly sebevědomí, pozvedá nad tuto tezi její lehké absurdní vychýlení; to, jakým způsobem autor pracuje s různými klišé a banalitami (například konverzačními), jak tyto prefabrikáty decentně humoristicky pozvedá.


V samotné inscenaci však k takovému posunu prakticky nedochází. Inscenace v režii samotného autora má sice vytříbený styl i atmosféru (podíl na ní zejména potlačovaně nervní hudba Jakuba Kudláče), ale zmíněná teze se z ní neustále prodírá ven - a režisér jí k tomu některými aranžmá či i vedením hereček (jejichž základní polohou je zdeptanost a ponížení, které vyjadřují tělesnou rozklepaností a hlasovou ukňouraností) ještě pomáhá. Jařabova úsporná, "racionalistická" režie, byť se znepokojivou náladou, působí tedy ve výsledku vůči textu spíše kontraproduktivně.

Premiéra 8. března 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách.   

Mikulka: Berlín Alexanderplatz (Tygr v tísni - Vila Štvanice)

$
0
0
Berlín Alexanderplatz je v Česku známý spíš v podobě televizního seriálu, Marie Nováková s Ivo Kristiánem Kubákem však pracovali (pokud to správně odhaduji) především s původní románovou předlohou. Výsledkem je divadelní adaptace, která skrze příběh z berlínského polosvěta přelomu dvacátých a třicátých let rozehrává hemžení na blíže neurčeném společenském dně.



Výborně to vychází především v první polovině, která sestává ze série dobře vymyšlených a neméně dobře zahraných výjevů, které sice propojuje osud ústřední postavy Franze Biberkopfa, ale klidně by mohly obstát i jako téměř samostatná čísla v inscenaci, evokující doby expresionistického kabaretu či divadla. Zcela příkladné je také využití živé hudby (a to v celé inscenaci). Hudební doprovod se necpe do popředí, ale dokáže účinně podporovat nervnost i pocit překotného běhu událostí, ve kterém se nedá dost dobře zastavit.

Po přestávce, kdy se dění více točí kolem Franzova životního příběhu, už představení zdaleka nemá takový drajv, ani tady však nechybí šikovně namíchaný koktejl tragiky, drastické komiky a podezřelé romantiky, příležitostně odlehčovaný absurdně ironickými vtipy. V souladu s předlohou se tu sice mluví o „tragédie antických rozměrů“, v tomto ohledu ale poněkud váhám. Sporu naopak není o tom, že se stylizovanou groteskní poetikou si tahle parta rozumí velmi dobře. Tygr v tísni se zkrátka vrací do své oblíbené první poloviny dvacátého století - a za celou tou přepjatou retro atmosférou Berlína těsně před nástupem nacismu lze s trochou dobré vůle cítit i úplně nenápadný, nevnucující se odkaz k nejistotám a rozervanostem dneška.

více informací zde
o inscenaci budu psát do Deníku N

Mikulka: Ladies No Gentlemen (Divadlo Na zábradlí)

$
0
0
David Jařab měl evidentně vznešený záměr udělat inscenaci na téma násilí na ženách. Výsledkem je útvar, který se beznadějně zamotává do myšlenkových i divadelních klišé a nic nezachrání ani to, že v něm hrají dobří herci (respektive hlavně herečky).



První třetina vyhlíží jako nezamýšlená parodie: submisivní manželka, sobecký, neempatický, sebestředný a posléze i agresivní manžel. Z herců se sype jedno banální klišé za druhým (ani nemluvě o zasazení děje do prostředí korporátního večírku s rolemi rozdělenými na šéfy a sekretářky), a to, že se Jařab snaží dění ozvláštnit tím, že postavy o sobě mluví ve třetí osobě, tak trochu připomíná filmového Vinnetoua blahé paměti. Celé je to tak upachtěné, že se skoro až nechce věřit, že to v renomovaném divadelním domě mohou vůbec myslet vážně.

Dění se postupně ku prospěchu věci poněkud zamotá, objevují se další ženy a významuplně si předávají nejen pistoli (kterou byl onen manžel zastřelen), ale i vzpomínky na nejrůznější domácí ústrky a křivdy. Sice to celé stále působí jako snaživá divadelní adaptace nějakého protinásilnického manuálu, ale alespoň aspoň občas dojde na trochu úlevné ironie, takže to už není tak otravně přímočaré a smrtelně vážné. Což ovšem neznamená, že by byli diváci ušetřeni vpravdě bizarních pasáží, jako je třeba ta, ve které Hana mudruje o své pistoli: „Hana ji nechtěla. Ale bratr naléhal. […] Hana nedokázala bratrovi odporovat. Myslela si v tu chvíli, že asi ví, co říká. Hana zbraň nechtěla, tam, kde je zbraň, tam jsou nakonec ranění a mrtví“. Ach jo.



Z promluv tohoto typu se režie s úsilím hodným lepší věci snaží vykřesat baladickou atmosféru. Hlavním dodavatelem nálady je přitom temně hořkosladká hudba Jakuba Kudláče, sama o sobě elegantní a působivá, jenže zní v téže náladě prakticky neustále, doslova se vnucuje – až to začne být poněkud iritující, stejně jako pomalu se pohybující, trpitelské figury nebohých žen. (Tady si zas jeden povzdechne, že Jarmuschova Dead Mana byl českému divadlu čert dlužen, kolik odvarů tohoto principu už jsme tu jen viděli, a to nejen u Jařaba).

Ozve se však i jedna píseň z trochu jiného soudku, konkrétně country tradicionál Knoxville Girl, pojednávající o muži, který bez zjevného důvodu umlátil svou dívku. Tak trochu po nickcaveovsku jej bez čehokoli dalšího zazpívají oba pánové, kteří se na scéně objeví (Miroslav König podstatně lépe než Michal Balcar). Píseň je to s ohledem na kontext, ve kterém se ocitá, až nepřípadně silná: naléhavá, násilnicky temná, podivná svou samozřejmou a nemotivovanou surovostí i absencí reflexe spojenou se sebelítostí. Je to smutné zjištění, ale v té několikaminutové skladbě je obsaženo vše, co inscenace jako celek bolestně postrádá.

Více informací o zde 
Foto DNZ
O inscenaci budu mluvit v Mozaice ČRO Vltava v pondělí 11.3. po osmé hodině

Švejda: Vladař (MDP - Komedie)

$
0
0
Inscenace Anny Klimešové má dvě symptomatické scény.
Ta prvá proběhne krátce před závěrem. Herci předvedou zhudebněné výňatky z Machiavelliho Vladaře, z tohoto "manuálu" politiky, ze kterých zaznívá charakteristický pragmatický ráz autorových rad vladařům, jak si udržet moc.


Právě pragmatismus bez jakéhokoliv etického úběžníku je - sdělují Klimešová a spol. - kořenem veškeré politické bídy bez rozdílů věků, důvodem zrady ideálů revolucí - Francouzskou počínaje a Listopadovou konče. Inscenace celých předchozích osmdesát minut toto sdělení ilustruje prostřednictvím samostatných autorských výstupů, které s Machiavelliho textem nemají nic společného; Machiavelliho text (sledoval-li jsem pozorně) zazněl v inscenaci právě a jen v tomto jediném výstupu. Koneckonců proč ne - ale mělo by to být divadelně aspoň trochu zajímavé, Napsat ovšem do programu o inscenaci, že je "podle Niccola Machivelliho" je dost nepřesné - možná tak "volně inspirována".
Druhá scéna přichází hned po té první a inscenaci bezprostředně vztahuje k palčivému problému současnosti. Jeden z herců v ní apelativně promlouvá k jakoby bývalým revolučním vůdcům konce osmdesátých let, kteří ve východních zemích pomohli svrhnout totalitní režimy - a dnes jsou z nich autoritativní vůdci de facto stejného střihu jako ti, které tehdy pomáhali odstranit. Scéna svou přímočarou angažovaností připomíná neuralgický okamžik z Hábova Nepřítele lidu, vzniklého před dvěma měsíci tamtéž, když režisér Stockmannovu plamennou kritiku pořádků města nahradil autentickými slovy patnáctileté školačky, která zazněla na konci minulého roku na konferenci o klimatu, a nebo finále inscenacePravda o 17/11 souboru 11:55 z března loňského roku, ve kterém účinkující "odložili" své postavy a začali mezi sebou diskutovat o tom, co se současnou společenskou situací.... Ani v jednom případě nepochybuji o dobrých úmyslech tvůrců, o upřímné snaze těchto mladých lidí vyjádřit se k tomu, co veřejného je trápí. Jen si myslím, že by se to nemělo dít takovými "antiestetickými" prostředky. A nebo už je opravdu doba zase tak zlá, že umění začíná přicházet zkrátka?

Premiéra 16. března 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách.


 

Mikulka: Předávání Cen divadelní kritiky (Divadlo Pod Palmovkou)

$
0
0

Vivat ceremoniál


S hanbou přiznávám, že jsem doběhl pozdě, takže mi utekl úplný začátek. Stejně tak přiznávám, že jsem malounko ve střetu zájmů, protože se jedná o anketu vyhlašovanou časopisem, jehož jsem redaktorem. Ale stejně mi to nedá: bylo to nejpovedenější předávání cen tohoto typu, kam až mi paměť sahá. (Jasně, uznávám, neviděl jsem všechna).



Zdaleka přitom nešlo jen o moderátorskou dvojici Dianiška – Albrecht, která až překvapivě suverénně trefila správný poměr mezi očekávanou vtipnou ležérností a elementární důstojností. Především se totiž dobře podařilo zdivadelnit samotné předávání, to nutné zlo, které má při podobných příležitostech tendenci kazit a protahovat večer, který by jinak vlastně mohl být docela príma. Pod Palmovkou se celou dobu neokoukalo ani nápadité „live cinema“, ve kterém byli pomocí loutek, fotek. plakátů a jiných drobnůstek představování nominovaní, ani neoposlouchala dvoučlenná živá kapela (mimochodem, na podivném nástroji, napůl kytaře a napůl base jsem mohl oči i uši nechat). Vtípek s „bednou štěstí“, ze které se kleštičkami vytahovaly krabice se jmény vítězů jako plyšáci na německé benzínové pumpě, se rozumně necpal do popředí, Erika Stárková zazpívala sympaticky seriózně, Tereza Volánková sympaticky žertovně, předávající (jejichž skladba byla vskutku barvitá) se drželi v přijatelných mezích, ocenění vesměs také. Takže se dalo snést i to, když Saša Rašilov s poněkud mefistofelovskou potměšilostí vyhlásil boj proti klišé pomocí sloganu o pravdě a lásce.

A konečně: podařilo se odstranit tradiční, leč poněkud nepříjemnou část ceremoniálu, při které se na pódium dostaví všichni nominovaní, cenu dostane jeden z nich, a ti ostatní s hanbou mizí v propadlišti neúspěchu. Tentokrát si pro cenu chodili pouze vítězové a všichni nominovaní se přišli ukázat při závěrečné děkovačce. Jak prosté a účinné. Že to nikoho nenapadlo dřív…

Pokud někdo ještě neví, kdo všechno to dostal, může se podívat na stránky SADu
O celé akci se píše a mluví leckde, solidní informace i reportáž je kupříkladu tady
Stream celého večera nabízí ČT zde

Mikulka: Vladař (Divadlo Komedie)

$
0
0

Směšná hrůza, hrůzná směšnost


Už dlouho jsem neměl tak silnou chuť zastat se tvůrců, jako když jsem včera dopoledne viděl v Komedii první reprízu Vladaře - a pak jsem si ještě jednou nevěřícně přečetl, co o inscenaci Anny Klimešové napsal po premiéře Martin Švejda (tady). Kdyby nic jiného, tak přinejmenším Martinova věta „mělo by to být divadelně aspoň trochu zajímavé“ mi přijde téměř nepochopitelná. Troufnu si naopak tvrdit, že takhle „divadelně zajímavá“ podívaná bývá k vidění jen výjimečně. Ani nemluvě o tom, že to - konečně! - bylo zas jednou politické divadlo, které přišlo s něčím nápaditějším a hlubším, než s obvyklou banální ilustrací sdělení, které by stejně tak mohlo tvořit obsah jednoho novinového komentáře.



O Vladařovi budu podrobněji psát do Deníku N, takže co nejstručněji. Klimešová a spol. nejenže nepřicházejí s adaptací slavné Machivelliho politologické klasiky, oni se dokonce ani nesnaží o vyprávění jakéhokoli přehledného chronologického příběhu nebo o jasně zacílenou kritiku konkrétních špatností. Místo toho velmi šikovně, s velmi zábavnou groteskní nadsázkou a zároveň s nepřehlédnutelným zděšením rozehrávají neuchopitelně vykloubený, ale spolehlivě surový rej bezohledné moci. Přičemž setrvávají ve zvláštním průniku hraní sebe sama a evokace událostí světadějných. Od výchozí „revoluční“ situace (Máme svobodu! Divadlo Komedie je naše!) se postavy nezadržitelně posunují krvavými peripetiemi revolucí, královražd, válek, mírových jednání a vůbec všeho možného, co je s „politikou“ spojeno nebo bývá spojováno. Citovány jsou historické dokumenty i divadelní hry, mihnou se tu však i efemérní banality jako Trumpova kštice nebo Babišovo líbání Marka Prchala. Vše je viděno bizarně pokroucenou perspektivou, současně se to ale odehrává až nepříjemně logicky a vlastně i s jakousi osudovou nevyhnutelností.

Je to směšné a jde z toho hrůza. Tím víc, že Klimešová i její kolegové prokazují nejen invenci při vymýšlení obrazů a skvělý cit pro rytmus, umí zvolnit i zaburácet, umí být „naivní“ i rafinovaní. Čehož součástí může být i to, že ve správný okamžik předvedou, že opravdu „umí“, třeba když přejdou od uřvané válečné scény k dlouhému sólovému školeně znějícímu zpěvu nebo když v závěru čtyřhlasý sbor cituje mrazivě aktuálního Machiavelliho. Škoda jen, že po tomto výstupu, který tvořil přirozené a silné finále, následuje ještě několikaminutový dovětek, který potřebnou sílu už ani zdaleka nemá. (Nabídne poněkud těžkopádné a hlavně zbytečné připomenutí „pramenů“ a také ironický odkaz na českou polistopadovou realitu).

Ale i tak, bylo to jedno z nejpovedenějších představení celé letošní sezóny. A taky naděje, že nad českým politicky laděným divadlem přece jen není nutné lámat hůl.

o inscenaci budu psát do Deníku N
více informací zde
foto Facebook Komedie








Švejda: Co očekávám od politického divadla

$
0
0
Řekněme, že politické divadlo je něčím specifické. Pro mě snad nikoli až tolik jako u "užšího" pohledu Patrica Pavise ("společenou charakteristikou /.../ je snaha prosadit vítězství určité teorie, společenského přesvědčení, filosofického záměru. Estetika je v těchto případech podřízena politickému boji, a to natolik, že divadelní forma téměř zaniká v ideologické debatě"), ale v tom, že se prostě jaksi více zabývá stávající realitou - tou politickou.
Co dnes od politického divadla očekávám?


1) že zůstane divadlem
Jeho inklinace k "nedivadelním" formám (publicistice, občanskému vyjádření) je docela pochopitelná. Snaha promlouvat co nejotevřeněji a nejnaléhavěji vede téměř zákonitě k redukci estetické složky. Přiznám se, že tyhle tvůrčí spády mě asi nejvíc iritují. Když divadelník kvůli tomu, že potřebuje k dnešku něco nutkavě sdělit, zapomíná, že dělá divadlo. Cítím se podveden.
2) že nebude sloužit jako prostředek sebeutvrzení
Tahle funkce se dá (dala) pochopit v nesvobodných poměrech: divadlo jako místo, upevňující sounáležitost a srozumění mezi hledištěm a jevištěm. Ale dnes? Ve svobodných poměrech a - to především - v době sociálních sítí, kdy lze takový pocit nabýt prakticky okamžitě napsáním vhodně zvoleného statusu své sociální bublině? Není to zbytečné (byť o libých pocitech ze sebeujištění nelze pochybovat)? Přeji si být naopak myšlenkově vykolejován; chci, aby mi takové divadlo kladlo otázky, nutilo mě k znovuprozkoumání mých postojů.
3) že bude hovořit účinnou divadelní řečí
která bude podporovat, nikoli umenšovat intenzitu sdělení; tedy např. že nebude používat snadno prohlédnutelné postupy (typu alegorie), které zpohodlňují pozornost diváků.

Vybavím-li si své zážitky s politickým divadlem z poslední doby, nejvíc těmto mým očekáváním asi dostojí inscenace Michala Háby.

Dubský: Lakomec (Klicperovo divadlo Hradec Králové

$
0
0
Hábův Lakomec není nic pro diváky libující si v pietním nastudování klasiky, přesto bych řekl, že se režisér velmi přiblížil Molièrově skeptickému náhledu na lidské charaktery.

Výprava Adriany Černé sestává ze svítivě žluté, prázdné scény a vyumělkovaných černých kostýmů. Obejde se téměř bez mobiliáře, výraznějším prvkem scénografie je jen obrovské černé plyšové prase, sloužící chvílemi jako pohovka. Hába vedl herce k výrazně grotesknímu pojetí rolí. Filmovou grotesku připomínají i ostré střihy a místy až trochu přehnaný počet krkolomných pádů. Inscenace slušně odsýpá, celou komedii zvládnou v Hradci sehrát za 100 minut bez přestávky, přesto jsem neměl dojem, že by něco podstatného z Molièrovy předlohy scházelo.
Harpagon ve zběsilém podání Filipa Richtermoce není v hradecké inscenaci zdaleka jediným odpudivým charakterem. Je obklopen společností, která si s ním v cynismu a prospěchářství v ničem nezadá. Všichni tady jdou bezohledně za svými cíli, ať už je to snaha namastit si kapsu nebo vyvzdorovat sňatek. Neupřímnost z jejich počínání vysloveně čiší. Z Hábova přístupu je znát snaha o kritiku dnešního bezbřehého individualismu, který se výrazně promítá do mezilidských vztahů. Harpagonova chorobná touha po penězích jakoby nakazila celou společnost, divák se tak může bavit ztřeštěnými situacemi v duchu commedia del´arte, ale zároveň musí spolknout hořkou pilulku v podobě neexistujícího happy endu.
Skvěle se v téhle stylizaci pohybují především Natálie Holíková a Matěj Anděl. Působivě cynickou tečkou je pak oběšení jediné bez přetvářky jednající postavy – kuchtíka Jakuba v podání Zory Valchařové Poulové, čemuž za zvuků budovatelské písně Ten dělá to a ten zas tohle z filmu Císařův pekař a pekařův císař asistují všechny zbývající postavy.
Na někoho může být té exprese příliš, ale už dlouho jsem neviděl tak stylově čistou inscenaci.

Švejda: Zdání klame (Studio Hrdinů)

$
0
0
Horákovo a Pěchoučkovo nastudování hry Thomase Bernharda (založené na notně úpraveném textu) je rozlomeno do dvou částí. Ta prvá je monologem hlavní postavy Karla - bývalého artisty, ale především sebestředného, intelektuálně povýšeného machistického muže, který nemůže pochopit, že jeho manželka, pro níž "tolik udělal", odkázala svůj majetek - venkovský domek - nikoli jemu, ale jeho bratrovi.
.


Režiséři postavu a její svět dostatečně charakterizují už dvěma scénografickými znaky: Karlovi dávají šlechtický - rozuměj panovnický - vzhled (typická paruka a oblečení) a situují ho před velkou železnou konstrukci, která představuje skelet šapitó. Ivan Lupták hraje monolog, tedy celkem obligátně portrétuje postavu, a víc se prakticky neděje.
Druhá část má zcela jiný ráz. Poté, co Karel zůstane na konci prvé části jako nějaká raněná, naříkající šelma uvnitř konstrukce, se na skelet seshora snese (novocirkusová herečka) Eliška Brtnická a začne po něm - za doprovodu mysteriózní, psychedelické hudby a ruchů - lézt a různě se kolem něj obtáčet jako nějaký pavouk. Stává se jakousi personifikací a vyvřením Karlova "vnitřního já". Nemá smysl snažit se tenhle obraz nějak exaktně pojmenovat: režijním záměrem tu jistě je "nasvítit" postavu - po srozumitelné prvé části - jinak, silným scénickým obrazem, a vytvořit pro diváka spíš jen jakési "pole možných interpretací". Problém zvoleného řešení (které je v závěru doprovázeno promluvou druhé postavy Bernhardova textu, Karlova bratra Roberta, jehož tu taktéž představuje Lupták) je však v tom, že uvedený scénický obraz působí málo výmluvně, "hází" málo významů - pořád tu jaksi primárně vnímáme, že Brtnická a posléze i Lupták lezou po konstrukci a zaujímají různé pozice. Ve výsledku to pak znamená, že portrét hlavní postavy - byť se o to Horák s Pěchoučkem snaží sebevíc - se tu oproti prvé části nijak výrazněji - existenciálně - neprohlubuje. Zůstává prakticky týž.

Premiéra 24. března 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách.    
Viewing all 1135 articles
Browse latest View live