Quantcast
Channel: NADIVADLO
Viewing all 1135 articles
Browse latest View live

Blatný: Znovusjednocení Korejí (MDP – Rokoko)

$
0
0

Na Koreje nedošlo


V sobotu uvedlo Divadlo Rokoko inscenaci Znovusjednocení Korejí podle hry francouzského autora Joëla Pommerata v překladu dramaturga Michala Zahálky. Režíroval umělecký šéf Městského divadla Žilina Eduard Kudláč.

Hrálo se v abstraktním prostoru: jeviště po celé délce zaplňovalo osm omšelých plechových převlékacích kabinek vybledle zelené barvy. Kromě nich a sprchových záclon zavěšených po stranách už na scéně nebylo nic. S kabinkami ale herci téměř vůbec nepracovali (se záclonami vůbec), až na scénu, kdy se v jedné z kabin objevila mrtvola, sloužily jen k převlékání. Herci se navíc převlékali pouze během přestaveb, takže kabinky spíš jen suplovaly zákulisí. Vzhledem k tomu, že režisér nevyužíval světla ani hudbu (mimo předělů mezi jednotlivými výstupy), byl výsledný „obraz“ popravdě ošklivý a po chvilce vyčerpaný až vyčerpávající.



V inscenaci však nevznikaly ani jiné obrazy či jevištní metafory, nejvíce metaforickým zůstal samotný titul (bohužel i ten byl v rámci jednoho z dialogů vyřčen a konkretizován). Z kabinek pravidelně vycházeli herci v různých rolích: kněz, učitel, prostitutka, rodič apod., a pak na prázdném jevišti sehrávali etudy, v nichž se mluvilo a mluvilo a mluvilo. Nutno poznamenat, že dva z příběhů byly oceněny potleskem, avšak spíše kvůli vypjatým až hysterickým hereckým výkonům, než kvůli nápaditosti či scénickému řešení. Navíc nebýt toho, že byly jednotlivé charaktery odlišeny kostýmy, z hereckého projevu by kolikrát nebylo poznat, že šlo o jiné postavy, než které herci představovali v předešlém příběhu.



Jádrem jednotlivých epizod byla láska na všechny způsoby: rodičovská, pečovatelská, vztah pedagoga k dítěti, dále pak nevěra, opouštění... Všechna témata však byla jen jaksi nahozená. Došlo na obecnosti (Co je pravda? a Co je láska?), láska sloužila jako východisko situací, ty však samy o sobě nijak výrazně rozvedeny nebyly, a téměř žádná z nich nebyla ani vedena k pointě. Stejně jako celá inscenace. Jednotlivé příběhy spolu totiž nijak kromě zastřešujícího obecného tématu konkrétněji nesouvisely.



O čem to tedy celé bylo? Mozaika příběhů nejspíše zaujala inscenátory pro mnohost úhlů pohledů, jak lze nahlížet lásku. Konkrétní realizace jednotlivých situací však nebyly příliš přesvědčivé. Výsledkem se nestal kompaktní celek, každý příběh tu stál sám za sebe, což zanechalo pocit poněkud povrchního náčrtu. Bezmála dvouhodinové otvírání a zavírání dvířek převlékacích kabinek, které ukrývaly osmnáct minipříběhů, mi zhruba v polovině začalo připadat neúnosné a nemohl jsem se ubránit otázce, co všechno ještě mají připravené. Když se po skončení osmnáctého příběhu na jevišti znovu zjevily postavy z předchozího příběhu, který dohrály a tím uzavřely, polila mě hrůza, že se teď zpětně bude dohrávat každý započatý příběh. To se naštěstí nestalo (nicméně, proč se zrovna tento příběh dohrál, a v čem je tedy pointa celku, mi zůstalo záhadou).

Finále, ve kterém se herci vysvlečeni do bílého spodního prádla přišli ukázat publiku, byl tak nejasný, že si ho premiérové publikum spletlo s děkovačkou a začalo rozpačitě tleskat. Rozpačitý jsem z celé události i já. Ačkoli mám po změně uměleckého vedení MDP větší motivaci a zájem Rokoko navštěvovat, sobotní zážitek ze Znovusjednocení Korejí mi k tomu příliš důvodů nedal.

TOMÁŠ BLATNÝ

Více informací zde
foto: web MDP

Mikulka: Hlubiny (Wariot Ideal - Alfred ve dvoře)

$
0
0

Hlubiny, které by bylo chybou minout 


Pro zasvěcené by možná stačilo napsat, že Hlubiny lze chápat jako volné putování směrem, který před pár lety vytyčila inscenace Erben: Sny od sesterského spolku Handa Gote. I tentokrát jsou předváděny „lidově“ vyhlížející rituály, obrazy snové a těžko interpretovatelné, zároveň však silné, překvapivé a vtahující. A také tentokrát je výsledkem žhavý adept na inscenaci roku. Tedy alespoň pro mě, mainstreamový kasaštyk to asi nikdy nebude, to je skoro zbytečné opakovat.



O představeních tohoto typu se dost špatně píše a také nechci případným zájemcům vyslepičit vše předem, takže jen stručně. Trojice Jan Dörner, Jan Kalivoda a Vojta Švejda se na začátku vynoří ze tmy jako podivný obraz tří ukřižovaných, pomalu a nebezpečně přejdou po dlouhé fošně položené na opěradlech dvou židlí na druhou stranu jeviště a na zemi rozvinou obrovský gobelín s jakýmsi pastýřským výjevem (pokud je dotyčný obraz slavný, omlouvám se za neznalost). Načež se s naprosto vážnými tvářemi, a místy i s vypjatou obřadností, pustí do série komplikovaných, surreálně pokroucených akcí.



Výše zmíněná rituálnost se tu může projevovat velmi různě: od akce, která sice nepřímo, ale vcelku jednoznačně evokuje mši (a předtím i samotné křižování) se postupně a svým vykloubeným způsobem i logicky přejde do naprosto absurdní hokejové scény. Konec konců, vždyť právě hokej je moderní rituál svého druhu, že ano. A klidně se pak může objevit i rituální tanec, který pro změnu připomíná obřady ražení hodně exotického .



Celé je to zahrané naprosto vážně, bez potřeby demonstrovat otevřenou ironii a dávat divákům návody k tomu, co je vhodné brát vážně a co už je legrace. Obě polohy se tak velmi samozřejmě prolínají a umocňují, přičemž nechybí ani vzácná schopnost přijít  s obrazy doslova magickými. Na ten úplně nejmagičtější dojde v úplném závěru, a s dovolením vám ho neprozradím. Návštěvu Hlubin však (nejen kvůli němu) velmi důrazně doporučuji.

Více informací o inscenaci zde
foto Alfred ve dvoře

Švejda: Sternenhoch (Národní divadlo - Nová scéna)

$
0
0
Potkáte-li na opeře Národního divadla (hrané na Nové scéně) Petra Placáka, Martina Fendrycha či Viliama Klimáčka, je vám jasné, že půjde o "výběrovou" operu. Přesněji: jde o operu, která má rockově undegroundový ráz.



Sternenhoch Ivana Achera, spojující živou a nasamplovanou hudbu, nabízí rockově industriální, elektronický zvuk, a zároveň - což je na tom, i s ohledem na charakter milostné "story" Ladislava Klímy, nejvtipnější - parafrázuje tradiční sladkobolné operní postupy. Zvuk je hutný, účinkující - především Sergej Kostov jako Sternenhoch, Vanda Šípová jako Helga a Tereza Marečková (hrající zároveň i na housle a violu) jako Kuhmista - pěvecky (i herecky) "beze švů" přiléhají rolím. Vše zní plynně a intenzivně - jde o velice příjemný hudební zážitek.
Režie Michala Dočekala je spíš aranžérská. Nenabízí svébytné scénické řešení. Zůstává ve služebné roli. Potemnělou, panoptikální vizualitou připomene některé inscenace Roberta Wilsona či třeba vizuál kapely Tiger Lilllies. Pokud již z inscenace něco vystupuje "dopředu", pak choreografie Lenky Vagnerové (v provedení tanečníků), "zahušťující" hudbu, či bizarní, groteskní kostýmy Evy Jiříkovské (zvláště ten Kuhmisty).
Tolik za Nadivadlo, očima kritického "operního" laika, k jedné z hudebně-divadelních událostí letošního roku.
   

Mikulka: Lonely horny only (A Studio Rubín)

$
0
0

Sperma, krev a velká nejistota 


Z A-Studia Rubín se po nástupu Dagmar Radové stala scéna, kam má smysl chodit i na tituly, pod kterými jsou podepsaná jména, která vám toho moc neříkají (v tomto případě režisér Ondřej Štefaňák) nebo které podle anotace nevyhlížejí zrovna lákavě. Jako třeba inscenace, o které předem víte jenom to, že bude pojednávat o seznamování pomocí Tinderu.

Zhruba do třetiny představení to vypadá, že se nepůjde dál, než ke standardní ironické kritice odcizeného světa konzumního sexu: Vojtěch Hrabák paroduje cynicky sebevědomého „korporáta“, Anita Krausová ženu, která je na Tinderu závislá. Objevné to moc není, zábavné asi tak středně, spíš v momentech, kdy je v akci herecky podstatně výraznější a přesvědčivější Krausová. Celkově plus minus v intencích, jak to v Rubínu dost často chodívalo v dobách, řekněme, kolečkovských.



Pak se ale dění bez jakéhokoli varování překlopí do těžké fantasmagorie a díky tomu začne být vše rázem zajímavější. Vysloveně strhující podívaná tentokrát sice nenastala, ale znejisťující dráždivost druhé části představení upřít rozhodně nelze. Pro jistotu se ale rovnou a úplně doznám: beznadějně jsem se ztratil. A to i ve zcela základních otázkách týkajících se časové posloupnosti či kauzality (tj. zda na začátku nevidíme výsledek toho, co se s postavami stalo v závěru), nebo toho, jestli sledujeme stále stejné figury, nebo co z viděného je sen nebo horečnaté představy a co "realita". A co hůř, nedařilo se mi odhadnout dokonce ani to, jestli to bylo udělané tak neproniknutelné záměrně nebo naopak z nešikovnosti nebo se s tím inscenátoři prostě jenom nepárali a nechtěli přihlížejícím věc usnadňovat. Má význam to, že je Krausová viditelně starší než její partner (nijak se s tím nepracuje), nebo to prostě jen tak vyšlo a tudíž nemá smysl brát věkový rozdíl v potaz? Jako pouhý sled záměrně nejasných obrazů přitom tahle inscenace nepůsobí - ale vlastně nevím, opravdu nevím.

Základní (zdaleka ne jen výtvarný) trik spočívá v tom, že se v rámci nejasně naznačených erotických hrátek oba účinkující polijí velkým množstvím tekutiny, věrohodně evokující sperma. Oba se pak až do konce představení namáhavě pohybují po příšerně klouzavém růžovém baletizolu. Je to odpudivé a groteskní zároveň, a samozřejmě tak vzniká efektní, jakkoli nejednoznačná metafora, navozující pocit nejistoty, zranitelnosti a nebezpečí (dokonce i nedivadelního: hrozba, že sebou herci praští a pořádně si namlátí, je velmi reálná). Do toho se prolínají nezřetelné příběhy a vzájemné potýkání, dojde i na naturalisticky provedenou vraždu, po které se sperma smíchá s krví.

Příznačné je, že když si teď, pouhých pár hodin po představení, snažím vybavit něco konkrétního, nic mi nenaskakuje. Jako když se ráno marně snažíte vyprávět ošklivý sen. V paměti zůstává obraz slizké podlahy, klouzajících herců v promáčeném oblečení a pocit špatně definovatelného diváckého nepohodlí. Pokud bylo cílem něco takového, byl záměr naplněn. A já teď ani neumím říct, jestli se mi to tak zdá být dobře nebo ne.

Více informací zde
fotky z představení jsem bohužel nenašel

Švejda: Vitka (Husa na provázku)

$
0
0

Tereza Marečková

Herečka Tereza Marečková má za sebou úspěšný rok. Byť role, které během něj ztvárnila, nabízely - jak rok šel - stále omezenější možnosti. Srna/Matka/Dcera v Antievě (prem. 28. září, spolek Masopust) jsou doprovodné úlohy, ve kterých herečka jen přihrává a vystačí si s typem potměšilého skřítka. Toho předvádí i ve Sternenhochovi (prem. 7. dubna, Národní divadlo) - přesněji: jde o "skřeta" - v postavě čarodějnice Kuhmisty. Kromě toho, že je tu tento typ ostřeji - groteskně - exponován, dostává i prostor ke zpěvu a hře na housle a na violu. Její role je nepřehlédnutelná. Největší příležitost ale Marečková získala hned na začátku roku - titulní postavu, hudební skladatelku Vítězslavu Kaprálovou, ve Vitce (prem. 23. února, Husa na provázku).



Má zde možnost zahrát na housle, předvést operní zpěv, vystřihnout úryvek z Brownova It´s a Man´s Man´s Man´s World, ale především - ztělesnit postavu, která má dramatický oblouk, projde určitým vývojem a v níž si nevystačí s právě jen zúženým typem (do něhož ji - troufal bych si odhadnout - režiséři/režisérky, i třeba kvůli jejímu menšímu vzrůstu, tlačí). Ten se ve Vitce objeví na počátku: Vitka jako rozjívené geniální dítě, s velkou mašlí ve vlasech. Marečková je hraje v komické, až groteskní nadsázce - v níž se, jako v základní tónině, bude ostatně pohybovat celá režie Anny Davidové. Do této polohy se však naštěstí po chvíli začnou prolamovat další valéry: Kaprálová jako umanutá skladatelka, odhodlaná prosadit si - v přezíravém mužském světě - svou, jako kritická osobnost, nebojící se žádné autority, jako svobodomyslná žena, která si ve vztazích k mužům (rozuměj v sexuálních věcech) dělá, co je jí libo. A tu již Marečková nezůstává u komické nadsázky, ale její slova dokážou opravdu kousnout a vypovědět o síle osobnosti dotyčné.  A jak čas postupuje a život Kaprálové se komplikuje a vztahy k mužům zauzlovávají, nabízí postava čím dál niternější, dramatičtější plochy - které herečka, byť stále jako by občas ještě pošilhávající po zjednodušující stylizaci, zvládá přesvědčivě a naléhavě (zvláště když jí třeba režisérka pomůže konkrétní akcí, jako když se prohne ve veřejích pod tíhou zoufalství).
Vitka Kateřiny Tučkové a Husy na provázku je vlastně tradičním životopisným kusem. Hravým, mírně ironickým a feministickým - pojednávajícím o výjimečné ženě v (uměleckém i osobním) prostředí mužů. Marečková, byť teprve třiadvacetiletá, ji utáhne. Jde o velký herecký výkon.

Mikulka: Jacek staví dům (Autobuf)

$
0
0

Daisy Mrázková, Lars von Trier a Jan Kačena


Jan Kačena s Petrem Reifem už spolu jednu inscenaci v autobusu vytvořili, jmenuje se Unhappy Happy, tu a tam se hraje dodnes a patří mezi to nejsilnější, co je v českém divadelním prostoru k vidění. Nyní do těchto vod vstoupili podruhé a výsledkem je dílo s poněkud matoucím titulem Jacek staví dům. Pro jistotu: hraje se opravdu uvnitř v autobusu. Úplně obyčejná stará Karosa momentálně parkuje na tiráckém parkovišti za Smíchovským nádražím, ale nemám tušení, jestli třeba někam nepopojede.



O trojici Kačenových režií z letošního podzimu budu psát podrobně do SADu, takže zde spíš jen pár poznámek na okraj: nepřestává mě udivovat, jak málo (nebo zdánlivě málo) Kačenovi stačí k tomu, aby mu pod rukama začalo vznikat cosi divadelně zázračného. Nemusí se to vždy povést naplno, málokdy to bývá „dotažené“ (což je ostatně součástí kouzla), ale dar naprosto samozřejmé divadelnosti má tento tvůrce mimořádný. A když se to naplno povede, jako třeba právě teď na ohavném a promrzlém smíchovském parkovišti, je z toho zážitek, který se zaryje hodně hluboko.

Jacek staví dům spojuje dva křiklavě nesouladné zdroje, idylický příběh zajíčka Jácíčka z dětské knížky Daisy Mrázkové Haló, Jácíčku se odehrává v kulisách – byť spíše tušených –brutálního Trierova filmu Jack staví dům. Kačena to nijak nezdůrazňuje a nevysvětluje, ale z krátkého spojení vzniká napětí, děsivá idyla, která zhruba hodinové představení spolehlivě udrží. Velký podíl na tom mají i zcela srozumění účinkující: Petr Reif a Johana Matoušková hrají vážně, bez sebemenšího pitvoření nebo shazování, přitom však uvolněně, místy nejspíš improvizují. Vlastně se celou dobu nestane nic tak úplně mimořádného, oba protagonisté si povídají, Reif tu a tam zamává sekerou, Matoušková před autobusem trochu zatančí a zazpívá, pak dovnitř přivlečou opravdová kamna a zatopí v nich – a výsledkem je suverénně zvládnutý pohyb na hraně poetičnosti, děsu a drastického humoru. Divadelní poezie par excellence.

Více informací zde
fotku jsem uloupil z Facebooku Pera Burmy

Vánoční příběh

$
0
0
I zvěděl Král podle betlémské hvězdy, že se narodil Spasitel. Spasitel českého divadla. A zavolal Hermanovi. A Herman Petruželovi. A Petružela Hulcovi. A Hulec Leškové Dolenské. A všichni se vydali za Spasitelem českého divadla. A přišli do Národního divadla. Ale tam byl Špinar. A tak šli na Zábradlí. Ale tam byl Mikuláš(ek). A co takhle na Vinohrady?, napadlo kohosi. A všichni se začali strašně smát. Kde jenom je, Spasitel českého divadla, kde jenom je?, ptali se. Tady jsem, ozvalo se shůry. Ty už jsi dávno mrtvý, Alfréde, ty se nepočítáš. A přišli na lesní mýtinu, sedli na pařízek. Ale ani ten to nebyl. Spasitel - a odrodilec? Není Spasitel českého divadla, není, usedavě plakali. A opravdu nebyl.
Šťastné a veselé.

Švejda: pytel na odpadky, (v šoku) ten černý pytel na odpadky (Chemické divadlo)

$
0
0
Pytel na odpadky, (v šoku) ten černý pytel na odpadky Vojtěcha Bárty a jeho Chemického divadla, inspirovaný románem Vegetariánka jihokorejské spisovatelky Han Kang, je - chápu-li to správně - jakousi jinou verzí inscenace K antropocénu, kterou připravil s prakticky totožným týmem (dramaturg a spoluautor Matěj Nytra, scénograf Matěj Sýkora, soundesigner Ladislav Mirvald, lightdesigner Martin Bitala) v březnu loňského roku v HaDivadle. Stejně tak má ale inscenace blízko i k druhé loňské práci Chemického divadla, dramatizaci románu Anny Bolavé Do tmy: Společné je všem stejné ideové východisko: potřeba hrdinů, a tím i tvůrců inscenací, vystoupit z civilizačního samopohybu a začít se chovat (vůči přírodě/planetě) zodpovědněji, ekologičtěji.


 

Do tmy i Pytel na odpadky (K antropocénu jsem neviděl)zůstávají vlastně jen u této základní situace. Zatímco ale Do tmy bylo víceméně tradičním činoherním monodramatem (které se při své jen o něco víc než půlhodinové stopáži jevilo jako dosti dietní), Pytel na odpadky se od činohry razantně odklání a stává se téměř konceptuální záležitostí. Prim nehraje činohra (která Bártovi, popravdě řečeno, příliš nejde - i zde pasáže tohoto typu patří k nejslabším místům večera), ale zvuk, světlo a projekce, jež dohromady vytvářejí silný audiovizuální vjem (obraz). Příklad: v úvodu se několik dlouhých minut pouze promítají titulky, které popisují (citují?) děj předlohy - světelným čarováním však na stěnách sálu vznikají nejrůznější, sugestivně působící obrazce.
Pytel na odpadky je angažovanou inscenací - díky své až surreálné obrazivosti ale tato angažovanost nepůsobí plakátově. Forma, kterou Bárta v pytli na odpadky zvolil, je myslím dobrou cestou, po níž by měl jít i nadále.

Mikulka: Vítězné svině (Buchty a loutky)

$
0
0

Tumáš, Klímo 


Před závorkou: dívat se na tuhle inscenaci klímovskou optikou by mělo jen o málo větší smysl, než zkoumat perspektivou svalnatého akčního filmu dávný buchtovský hit Rocky IX. Dokonce i navzdory tomu, že se tu v jedné z klíčových scén z Ladislava Klímy přímo cituje a že se tu taky několikrát objeví - tak trochu mimo kontext - loutka opičáka, která „autorsky“ pronese pár profláklých filosofických i jiných sentencí. Podstatnější je, že Buchty a loutky pracují svou oblíbenou a mnohokrát osvědčenou metodou: vzít „velký“ příběh, roztřískat ho na kusy a pak to všechno znovu složit do poněkud kuriózní, leč zábavné a výsostně osobité podoby.


Dotyčná skládačka je tentokrát svým způsobem klasičtější, než by se bylo možné nadít. Podstatné scény jsou odehrány s tradičními marionetami, dokonce včetně vzácného a originálního čerta od Váchala (pravdivost tohoto tvrzení posoudit neumím, ale představa je to hezká), a taky s malovanými kulisami na zcela tradičním loutkovém kukátku. Jiná věc ovšem je, že je takto předvedena mimo jiné třeba i - v mezích marionetových možností - zcela realistická soulož. Ta je přitom poněkud nemarionetově, zato s pobavenou zálibou v laciné symbolice, doplněná řadou bollywoodsky metaforických akcí typu komíhajícího se pístu parního stroje nebo soptícího vulkánu.


Morytát o dvou ohavných hospodských typech, drasticky potrestaných skrze jejich nevinné děti (ano, jsou to ty, které se dopustí výše zmíněné realistické akce), se ovšem zdaleka nevyčerpá jen klasickou loutkárnou. Dle očekávání dojde na žertovný úvodní proslov Marka Bečky (na mé repríze vylepšený anglickým výkladem pro diváky z jakéhosi shakespearovského festivalu), improvizace, vícestupňové odbočky, nejrůznější hrátky s perspektivou, drastický humor zahrnující i nezvykle surové zacházení s loutkami, ironicky doslovné ilustrace, efektní stínohry a tak dál. Jistě, třeba scéna inspirovaná meteorologickým výrokem „čerti se ženili“ není víc než čirá pakárna, jenže pakárna přesně toho typu, kvůli kterým mám Buchty už léta rád. Stejně jako třeba nablble ostýchavé sbližování ústředního páru před výše zmíněnou erotickou akcí.


Pro toho, kdo Buchty a loutky sleduje pravidelně, tu vlastně není nic tak úplně nového, ale chuť a schopnost neustále chrlit další a další nápady, absurdní legrácky či technologicky nejspíš docela náročné vtipy je obdivuhodná. Vítězné svině jsou v tomto ohledu jedním z nejpovedenějších buchtovských kusů za posledních pár let – a pro mě navíc vítané novoroční napravení klímovské chuti po vánočním zážitku s hudebně sice pozoruhodným, leč divadelně dosti toporným Sternenhochem v Národním divadle.

Více informací zde
foto Roman Polášek

Švejda: Švandovo divadlo střídá uměleckého šéfa

$
0
0
Martin Františák střídá od ledna na pozici uměleckého šéfa Švandova divadla Dodo Gombára. (Daniel Hrbek, jeden z pražských ředitelských matadorů, ve funkci dále zůstává.) Jakých bylo Gombárových devět let - a co lze očekávat (a co si přát) od Martina Františáka?


Gombár předává Františákovi stabilizovanou scénu s pracovitou, nerutinní dramaturgií. V repertoáru lze najít téměř vše, co by  měl divák od takové středně velké příspěvkové scény čekat: původní dramata, autorské projekty (uváděné především na studiové scéně), dramatizace moderních próz (které něčím provokují), současně pojatou klasiku a občas také (ale jen ve zdrženlivé míře) oddychové, zábavné tituly. Tedy (až na výjimky) nic, co by diváky hladilo po srsti a šlo jim na ruku.  Švandovo divadlo je scénou, která na diváky klade nároky - a tak to má být.
Potíž je v tom, že jedna věc je dramaturgie a inscenační záměry a druhá samotné výsledky. Divadlo pod Gombárovým vedením prakticky jen výjimečně dokázalo realizovat inscenace, které by byly víc než jen průměrné (počítám mezi ně především Gottland a Ztracenou čest Kateřiny Blumové), ba dokonce, které by byly nadprůměrné, které by třeba zabodovaly ve výročních anketách a obrátily na divadlo zvýšenou pozornost veřejnosti. Vlastně jedinou takovou inscenací se stal Špinarův Hamlet v roce 2013.
Ne že by divadlo nevykazovalo dobrou, ba vysokou návštěvnost, ne že by na svém repertoáru nemělo divácké hity (CRY BABY CRY), mám ale pocit, že z něj, u odborné veřejnosti, tak trochu převládá dojem, že ji vlastně nestojí za to pořádně sledovat. Že se na ní neděje nic opravdu zajímavého.
Čím to je? V divadle za Gombára vlastně až na výjimky (Špinar, Petrželková) nepracovali režiséři "první ligy"či opravdu "dravé" mládí (umělecky třeba ještě nevyrovnané, ale něčím neobvyklé a osvěživé). Podobně je tomu vlastně i u samotného Gombára: i on má svůj dobře rozpoznatelný - razantní, až expresivní - rukopis, ale nikoli takový, který by diváky opravdu strhl. A možná podvědomě hraje roli i ona velikost sálu; to, že se zde na diváky přece jen v jisté míře musí myslet.


Martin Františák nemusí po Gombárovi nic vyloženě překopávat, budovat od znovu, je vlastně stejné krevní skupiny jako Gombár (proto si ho Hrbek, lze předpokládat, i vybral). Je "jen" třeba, aby profil divadla jaksi víc zaostřil a dodal mu na inscenační originalitě. Myslím, že na to má. Šéfoval malým (studiovým) scénám, a brněnské Národní divadlo pro něj jako by bylo příliš "velké" - ve Švandově divadle by mohl svou vyhraněnost lépe uplatnit. O této vyhraněnosti jako by svědčila i režijní jména, kterým chce dát prostor: Jan Frič, David  Jařab, Jiří Pokorný. Soubor je na to myslím připravený - je zvyklý "experimentovat".
Chtít od Švandova divadla, aby se poměřovalo s Národním divadlem (jak by k tomu třeba mohla velet jeho dávnější historie), se studiovými scénami typu Divadla Na zábradlí nebo dokonce s nezávislými scénami, nemá myslím smysl. Jeho "přirozeným" konkurentem by mělo být takové Divadlo pod Palmovkou - scéna, které se pod vedením Michala Langa (kdysi uměleckého šéfa Švandova divadla!) šikovnou dramaturgií a odvážným zvaním režisérů podařilo na přeplněné pražské divadelní mapě prosadit a upoutat zájem. Snad se to povede i Františákovu Švanďáku.

Švejda: S úsměvem nepilota (Kočovné divadlo Ad Hoc)

$
0
0
S notným zpožděním, de facto víc než šestiletým, jsem se konečně dostal na jeden z hitů amatérského (dá-li se to tedy tak říct) divadla, kabaret S úsměvem nepilota souboru Ad Hoc, Ad Hoc s ním v roce 2015 slavil úspěch na Jiráskově Hronově a společně s operním pastišem Zmrazovač - Il Congelatore, stejně oslnivě bodujícím na Hronově rok předtím, mu pomohl dostat se takříkajíc na výsluní amatérského divadla - na němž (a nejen na něm) se vlastně drží dodnes, neboť s oběma inscenacemi nadále úspěšně objíždí republiku. Třeba však dodat, že soubor S úsměvem nepilota - jak z představení patrno - průběžně updatuje, jeho satirická linka tedy nezastarává, a mé opožděné zhlédnutí není proto nijak fatální (což lze vzít i jako doporučení pro ty, kteří by ho chtěli vidět).



Před závorkou je nutné především říct: kabaret tím, jak je reprodukován - zejména hudebně, ale i herecky -, zcela bezpečně překračuje rámec amatérského divadla. Je suverénní profesionální (kabaretní) produkcí. Interpretační suverenita dává večeru tah, jistotu, pevné tempo, které mu - i třeba přes menší propady v úrovni čísel - nedovolí, aby mu spadl řemen. Možná se zdá, že říkám samozřejmosti, ale není tomu tak: právě tenhle fakt je totiž v posledku velice důležitým vehiklem, který provedení tak "neiistého"žánru jako je kabaret může dovést k úspěchu.
S úsměvem nepilota si vystačí s málem. S malým pódiem, na něž se vejde septet účinkujících i s nástroji a na kterém se rozehrávají - s divadelně drobnými, ale účinnými nápady - jednotlivá čísla; s pravidelným střídáním činoherních a hudebních výstupů; s obvyklými útvary jako jsou "chvilka poezie", přednáška, reklama, televizní zpravodajské formáty. S úsměvem nepilota dokonale naplňuje model "divadla malých forem", kabaretu. Ostatně, jak i z názvu patrno, otevřeně se hlásí k produkcím Vodňanského a Skoumala blahé paměti.
A zde také začíná jistý problém. S úsměvem nepilota je pevně ukotven v šedesátých letech. Své hlavní vtipy čerpá ze slovních hříček, je literární. A i když mají jednotlivá čísla - zvláště pokud jde pochopitelně o ta satirická - aktuální obsah, působí pořád tak trochu jako "retro", z jiné doby. Celý večer vlastně jako by se s dnešní dobou - kterou samozřejmě míní (jak už to u kabaretu bývá) reflektovat - jistým způsobem míjel, nekorespondoval s ní. Snaží se do této doby "vrazit klín", ale činí to neadekvátními prostředky.
Jaké to ty adekvátní prostředky jsou, jak by měl vypadat současný kabaret, nevím. Vím ale, že při S úsměvem nepilota jsem byl stále jednou nohou v minulosti. A velice "bolestivě" jsem to vnímal.  

Švejda: Fantasy! (Divadlo NoD)

$
0
0
Inscenace Fantasy! dua Janek Lesák - Natálie Preslová je postavena na využití binaurálního zvuku. Ve zkratce: na scéně stojí prostorový mikrofon, který snímá zvuk vytvářený na jevišti herci a ten je pak přenášen (spolu s přimíchanými zvuky od mixážního pultu) divákům do sluchátek, které mají během produkce - jejíž těžiště spočívá právě v auditivní složce - nasazeny na uších.



Potíž tohoto modelu "rozhlasové hry naživo" pro mě vyvstává v okamžiku, kdy herci na začátku doporučí divákům, aby měli během představení zavřené oči. Chápu to: chtějí, aby divák - osvobozen od rušivých vizuálních vjemů - představení co nejvíc prožíval ve své "hlavě". Zároveň se tím však pro mě v inscenaci prakticky eliminuje divadelní "tady a teď"; protože když inscenaci neprožívám i vizuálně, jaký je pak rozdíl mezi ní a rozhlasovou hrou, kterou poslouchám doma ve svém pokoji z rozhlasového přijímače?
Pakliže měl divák během Fantasy! oči otevřené, mohl sledovat, jak herci nejrůznějším způsobem vyráběli zvuky a ruchy, které doprovázely vyprávěnou fantasy o cestě hrdiny (jímž byl vlastně jeden každý divák/posluchač představení) za drakem, který sužuje jistou zemi a jehož je třeba zneškodnit. Bylo to sem tam zábavné, ale v tomhle těžiště inscenace opravdu netkvělo. Tkvělo v oné již uvedené rozhlasové hře (jež byla vlastně moralitou - alegorií o naší třicet let trvající demokracii, kterou si nejrůznějšími způsoby komplikujeme), pouštěné divákům do sluchátek...
No budiž. Osobně bych celou záležitost označil za prozkoumávání "slepých uliček", ale možná se mýlím a Lesák s Preslovou v nějaké příští inscenaci přijdou se sofistikovanějším využitím binaurálního zvuku. Tohle bylo jen takové "ohledávání prostoru".

Premiéra 16. ledna 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Lidových novinách

Švejda: Nepřítel lidu (MDP - Komedie)

$
0
0
Neuralgickým bodem Nepřítele lidu Michala Háby se stává, podobně jako u Jana Klaty či Thomase Ostermaiera (jejichž nastudování Ibsenovy hry měl český divák v minulých letech též možnost zhlédnout) řeč Dr. Stockmanna na veřejném shromáždění ve čtvrtém dějství. I Hába tu inscenaci dovádí jaksi na samu mez divadla a nechává ji "zastavit": dává jí přímočarý politicky angažovaný (agitační) ráz, přičemž si vypomáhá - při Stockmannově kritice stávajících pořádků - slovy patnáctileté švédské školačky Grety Thunbergové, pronesené na nedávné katovické konferenci o klimatu, která "obletěla svět".



Hába tu (jako levicový intelektuál) vyjadřuje názor, že se současnou liberální demokracií je systémově něco v nepořádku a je ji potřeba změnit - a v logice věci proto i Stockmannovu "fundamentální" kritiku bere vážně a staví se za tuto figuru.
Hába nepřehlíží Stockmannovy narcisistní rysy. Viz jedna z nejlepších scén inscenace, kdy Stockmann poté, co se dozví, jak to ve skutečnosti s místními lázněmi je, propuká (byť jde vlastně o špatnou zprávu) v doslova dětinskou radost a vrhá se neurvale mezi diváky, jen aby jim to mohl říct. Proto, řekl bych, do hlavní postavy obsadil Miloslava Königa, který má svým hereckým projevem k tomuto typu postav blízko (viz ústřední role ve Velvet Havelči Deníku zloděje). Nietzscheovsky revolucionářské rysy postavy (s nimiž tedy my "staří" zastánci liberální demokracie máme docela velké problémy, neboť víme, co všechno neblahého ve dvacátém století přinesly) ale pro Hábu stojí nad nimi - a proto je pro něj Stockmann i hrdinou kusu (viz i navážno a procítěně pronášená závěrečná Stockmannova slova).
No jak libo...

Premiéra 19. 1. 2019. Více informací o inscenaci zde.
Recenze vyjde v Divadelních novinách 

Blatný: Zahrada (Laterna magika)

$
0
0

Show v Zahradě 


Laterna magika hraje inscenaci volně inspirovanou Zahradou Jiřího Trnky a také vzpomínkami a zážitky z dětství celého tvůrčího kolektivu. Na scénáři se kromě trojice domácích choreografů (Knolle–Pechar–Stránský) podílel i SKUTRácký režisér Lukáš Trpišovský.




Protagonisté, jedna dívka a tři chlapci, putují fantaskním světem zahrady dětství. Obrazy přicházejí v rychlém sledu: zahradu světlušek střídá plavba ve vaně po jezeře, schovku ve stanu napadení rojem hmyzu. Jednotlivé výjevy jsou čitelné, méně jasné je, jaké je tu místo postavy Kocoura. Jeho role hlídače, která inscenaci rámuje, je srozumitelná, ale proč v zahradě umírá a poté se na červené tříkolce zase vrací, smysl nedává (že by devět kočičích životů?). Stejně tak je otázkou, proč ke konci protagonisté začínají vidět po celou dobu „neviditelné“ tanečníky v černém. Má to být návrat do reality prostřednictvím přiznání divadelní iluze? Nebo metafora dospívání? Důležitou součástí inscenace (stejně jako Trnkovy předlohy) je postava Trpaslíka. Ten je jako loutka sestaven z několika částí, s nimiž animátoři střídavě manipulují. Tvoří jakýsi Kocourův kladný protipól, ať už chrání dětské hrdiny při jejich putování nebo pomáhá dívce a chlapci překonat při seznamování nesmělost. Proč je ale nakonec dán do rakve k mrtvému Kocourovi taktéž nevím.

Zarážející je, jak málo tahle inscenace působí dětsky a hravě, velkolepá hudba a místy agresivní vizuální projekce (hejno much, bouřka) vyznívají spíš depresivně a útočně. Namísto setkávání dětského vidění světa s komentáři vypravěče tu měly humorné pasáže podobu kopance do pozadí či klukovské bitky. Dětskost je nahozena trochu na první dobrou, návštěvníkům zahrady chybí rozumbradství, naivita a pošetilost, místo toho do sebe strkají a předhánějí se, kdo hodí lepší žabku nebo vlaštovku. S klukovinami inscenátoři pracují jako se znaky dětství, díky nimž sice lze pochopit, že jde o děti, ale nevyužívají potenciálu jejich vidění světa, z čehož by vznikl ryzejší (a snad i komičtější) dojem.



Jeviště je celé zasypáno hlínou a nad celou jeho šíří je zavěšeno bílé plátno. Dominantou scény jsou vysoké, lehce zahnuté kužely, které připomínají přerostlé včelí úly, v jiné chvíli zase indiánské týpí. Úly, podlaha, plátno, to vše slouží jako prostor pro světelnou projekci (květiny, abstraktní vzory), kterou doprovází majestátní hlasitá hudba. Monumentalita audiovizuálních efektů však pohřbívá vše ostatní. Samotný tanec nebudí příliš velkou pozornost, sóla postrádají potřebnou sílu. Výraznější emoci nabídl až milostný duet chlapce a dívky nebo namáhavé putování skupiny do abstraktního víru, kdy se těla tanečníků stávají jedním velkým tělem společným – přestože se každý hýbe po svém, působí to jako pohyb jednotlivce. Hýbající se masa propojených těl podtrhuje náročnost pohybu vpřed proti silnému odporu víru a zároveň vyjadřuje soudržnost party dětí. V závěru inscenace pak přišla hromadná abstraktní choreografie s dosud "neviditelnými"černými tanečníky  (zato s viditelnými problémy se synchronizací), která spadla na jeviště jako „bomba“ a pak vše náhle skončilo.

Zahrada se sice prezentuje jako „autorský tanečně vizuální projekt“, výsledek však připomíná spíše „audiovizuální show s tanečním doprovodem“. Ze vzpomínek účinkujících si možná vzala hodně, zato z Trnky (ke své škodě) jen velmi málo.

TOMÁŠ BLATNÝ

Informace o inscenaci zde
Foto: Serghei Gherciu

Dubský: Grand Festival smíchu (pondělí 21.1. + úterý 22.1.)

$
0
0

Pardubické divadlo hostí již po devatenácté Grand Festival smíchu, soutěžní přehlídku nejlepších komedií, které v českých repertoárových divadlech vznikly zhruba za poslední rok. Dramaturgyně festivalu Jana Uherová každoročně vybírá z přibližně 50 zhlédnutých inscenací nejlepší sedmičku.
Poměrně konzervativní pardubické publikum mělo hned na úvod festivalu možnost vidět dvě inscenace, které se pohybují na okraji komediálního žánru.
První soutěžní komedii přivezlo Činoherní studio Ústí nad Labem. Děkujeme, že zde kouříte je dramatizací novely Christophera Huckleyho, která sice vznikla už v devadesátých letech, ale na aktuálnosti jí to neubírá.
Omezení spojená s tabákem rámují Buckleyho dílo, které má ale vyšší ambice a řeší obecnější problém lidské svobody, která je pod různými záminkami stále více oklešťována. Inscenace ukazuje morální flexibilitu a honbu za zisky na straně tabákových koncernů, ale i pokrytectví a diktátorské tendence u lidí snažících se chránit lidstvo před sebou samým. Režisér Jiří Antonín Trnka a autorka dramatizace Dagmar Haladová se v inscenaci přiklání víc na stranu tabáku. Divák sice dostává argumenty, aby se sám mohl rozhodnout, čí „pravda“ je ta správná, ale už pojetím hlavních rolích je zřejmé, že šance tu nejsou fifty fifty.
Mluvčího tabákového průmyslu Nicholase Naylora hraje Jan Plouhar jako cílevědomého člověka, který je ochotný jít přes mrtvoly, zároveň je to však docela sympaťák. Jeho hlavním protivníkem je Kryštof Rímský jako senátor Finistirre, který je v inscenaci pojat jako slizký politik, jehož metody jsou snad ještě špinavější než u výrobců cigaret. Těžko s někým takovým sympatizovat. Rozdělení rolí tak místy tlačí inscenaci k lehké tezovitosti, kterou ale naštěstí zastiňuje zřetelný nadhled. Trnka sází na ironii, nekorektní a mnohdy celkem drsný humor. Do ústecké inscenace se mu podařilo dostat spoustu chytrých gagů a narážek.
Jediným pražským souborem, který se účastní letošního ročníku festivalu, je Divadlo pod Palmovkou s inscenací Sedmé nebe. Hra britské dramatičky Caryl Churchill je rozdělena na dvě velmi odlišné poloviny. První zobrazuje život britského koloniálního úředníka v Africe za viktoriánské éry. Tvrdě patriarchální řád a přísná morálka jsou ve střetu s přirozenými lidskými (nejen sexuálními) tužbami, na povrch vyplouvá pokrytectví spojené s pravidly, jež omezují svobodu jednotlivců. Neveselá témata jako rasismus, šovinismus či homofobie podává režisér Eduard Kudláč v balení klasické konverzační komedie. I díky bezchybným hereckým výkonům (za zmínku stojí hlavně Milan Mikulčík v roli diktátorského Clivea a Kamila Trnková jako mladý Edward řešící svou sexuální orientaci) vzbuzuje první část naděje, která ta druhá nedokáže naplnit.
Děj se přesouvá do současnosti (respektive do 70. let minulého století, kdy byla hra napsána), do doby, kdy sešněrovanost pravidly zmizela, volnost ve vztazích ale automaticky neznamená partnerské štěstí. K drobnému posunu dochází v žánru, herci pojali své role civilněji, inscenace inklinuje ke vztahové tragikomedii. Na scénu se vrací některé postavy z první poloviny, ale komunikace mezi oběma částmi je mizivá, tematická provázanost není příliš zřetelná. Také tempo druhé poloviny je o poznání volnější a třeba scéna duchařské seance působí vyloženě nadbytečně.
Je ale dobře, že se Churchillové sociálně-kritická hra s náznaky absurdního humoru na festivalu objevila. Patří k těm kusům, které ukazují pestrost komediálního žánru.

Švejda: Přesně 42 zubů (Divadlo Kámen)

$
0
0
Petr Macháček deklaroval před premiérou nové inscenace Divadla KámenPřesně 42 zubů, jejímž východiskem se stal (podobně jako u před dvěma lety vzniklé Přibližně dvaatřicet zubů) román Viktora Pelevina Svatá kniha vlkodlaka, snahu divadla více se "otevřít světu", učinit jeho dosud až příliš výlučnou tvorbu přístupnější "obyčejnějším" divákům. Nešlo o mystifikaci. Přesně 42 zubů je v některých aspektech divácky skutečně přístupnější - aniž by se ovšem soubor vzdával určitých "základních komponentů" své tvorby. Je nicméně otázka, zdali právě ony nejsou tím, co "hranici (ne)přístupnosti" nadále fundamentálně nedrží - a zdali je šéf Divadla Kámen schopen (či ochoten) se jich vzdát,,,



Inscenace vypráví docela jednoduchý příběh, který má však (podobně jako u některých předchozích Macháčkových inscenací) výrazně magický (tajemný) a archetypální ráz. O setkání muže a ženy, při kterém muž tuto ženu vezme na své pracoviště, do automobilového závodu, a zasvětí ji do skutečnosti, že auto "vyráží do světa" až tehdy, když je "oživeno".
Co všechno toto "vdechnutí života" do neživého stroje znamená, co říká o vztahu mezi lidmi a stroji a mužem (muži) a ženou (ženami), nechává Macháček na divákovi. Podstatné je, že - jako autor scénáře a režisér - příběh podává, oproti předchozím inscenacím, velice přehledně a srozumitelně. Neodpustí si sice občas některé své tradiční repetitivní postupy či překrývající se promluvy, ale vždy se nakonec vrátí k prostému vyprávění. Ukazuje tím vlastně nakonec, jak nosné a důležité je umět vyprávět příběh; jak  pevnou páteř může dobře vyprávěný příběh inscenaci dát.
Otázkou je, zda-li Macháček ve snaze vyprávět dostatečně "srozumitelně" nejde až zbytečně daleko. Zdali není až příliš doslovný. Zdálo se mi totiž, že tajemství (a význam) příběhu, které by si měl divák sám přebrat, zde nakonec vlastně bylo příliš "malé" a - řekl bych - až banální.
Macháček se divákům - pokud jde o způsob vyprávění - snaží vyjít vstříc i jinak: některé, jakožto zcizující, promluvy postav směřuje přímo divákům a jedna celá pasáž (exkurze automobilového závodu) je pojata vyloženě interaktivně. Bez obou věcí bych se obešel. Jejich záměr je až příliš očividný a "vykalkulovaný"
Vic než kdy předtím režisér v inscenaci také dává prostor tradičnímu (činohernímu) hraní. Především v přímých rozmluvách muže a ženy, resp. mužů a žen (obě postavy jsou herecky ztrojené), jde de facto o obligátní vztahové dialogy, ve kterých je účinkujícím poskytnut velký prostor k "psychologickému" rozehrání figur. A toto "otevírání prostoru" tradičnějšímu herectví také představuje nejcitlivější bod celé inscenace. Režisér hercům sice poskytuje větší prostor, zároveň je ale viditelně - jako vždy - pevně vede, "narežírovává". Herci tak sice dostávají větší prostor, jejich výkony ale působí strojeně, ne-bezprostředně. Zároveň si nelze nevšimnout: byť jsou výkony herců režisérovu rukou pevně vytvarovány, je  - při uvedeném "otevření prostoru" - zřetelně vidět nevyrovnanost účinkujících. A v okamžiku, kdy by dal Macháček hercům "zcela" svobodu,, by se stal tento problém ještě markantnější..

Přesně 42 zubů stojí na cestě za "širším" publikem kdesi v půli. Aby mohl dojít k "cíli", musel by se - zdá se mi - Macháček vzdát svého pevného režijního vedení a zároveň najít takové (profesionální) herce, kteří by dokázali uvolněný prostor adekvátně využít. Potýká se s problém, kterému čelí (čelily) i jiné soubory, které se ze světa amatérského divadla vydaly do profesionálního. Z poslední doby například Depresivní děti, toužící po penězích. Na uvedené cestě "zbývá" udělat ještě několik kroků - jsou to ale kroky zásadního rázu.

Premiéra 23. 1. 2019. Více informací o inscenaci zde.


Dubský: Grand Festival smíchu (středa 23.1 + čtvrtek 24.1.)

$
0
0
Po delší době se na pardubickém festivalu představila také inscenace ze sousedního Hradce Králové. Klicperovo divadlo přijelo s Drábkovou variací na Labichovu komedii s detektivními prvky s názvem Klášterní ulice aneb To je vražda, hopsala!. O inscenaci jsem už psal zde.
Součástí pardubického festivalu je také doprovodný program, který se obvykle odehrává na Malé scéně ve dvoře. Středeční večer nabízel komedii skotského dramatika Daniela Craiga Jacksona Můj romantický příběh. V provedení Bezručů slavila v roce 2015 tato hra úspěch v soutěžní části festivalu, ostravská inscenace tehdy získala čtyři ceny včetně Komedie roku.
Nyní ji do Pardubic přivezlo příbramské Divadlo A. Dvořáka. Jacksonova hra o fenoménu singles je zručně napsaná, svižné dialogy střídají často velmi sarkastické vnitřní komentáře dvou hlavních postav. První dvě dějství ukazují vznik a peripetie jednoho vztahu pohledem obou jeho aktérů – nezadaných třicátníků Toma (Petr Florián) a Amy (Ivana Krmíčková). Právě na tyto rozdílné úhly pohledu klade režisér Filip Müller velký důraz. V ostravské inscenaci byla hodně patrná také deziluze z ošidnosti vzpomínek na první lásky, která se v příbramském podání nevyskytuje, jelikož tvůrci hru krátili a k setkání mezi ústřední dvojicí a jejich vysněnými protějšky nedojde.
Můj romantický příběh (foto Anna Fixová
V Příbrami se mnohem více soustředili na komický potenciál hry, jsou méně cyničtí, než byl režisér Špinar v bezručovské inscenaci. To je spíš konstatování než výtka, protože mladý herecký tým hýří energií, daří se jim v lehké nadsázce vystihnout jednotlivé charaktery. Inscenace pěkně odsýpá, změny prostředí řeší jen několik kusů nábytku na kolečkách.  Závěrečné zvážnění dodá na naléhavosti otázkám, které si Tom a Amy po celou dobu kladou: Má smysl hledat dokonalého partnera? Je lepší být sám a nezávislý, nebo mít po ruce někoho, kdo vás má rád, i když vás ten člověk občas neskutečně štve?
Uherskohradišťské Slovácké divadlo už na festivalu několikrát soutěžilo, ve čtvrtek se představilo s francouzskou komedií Falešné našeptávání. Pierre de Marivaux u nás nepatří zrovna k nejhranějším autorům, soutěžní představení naznačilo, proč tomu tak je. Falešné našeptávání je (podobně jako většina ostatních autorových her) konverzační komedií o probouzení lásky, obsahuje i řadu pobídek pro situační komiku.
Falešné našeptávání (foto Marek Malůšek)
Režisér Radovan Lipus stylizoval text z 18. století do podoby prvorepublikové filmové grotesky. K tomuto inspiračnímu zdroji míří i řada vtípků, jako je parodování nezaměnitelného hlasu Oldřicha Nového. Herci s groteskní nadsázkou vytvářejí postavy z filmů pro pamětníky – výborný je především Tomáš Šulaj v roli manipulátorského sluhy Duboise, ale i ostatní drží po celou dobu představení stylizovanou dikci a pohyb. Právě herecké výkony, originální pohybová složka a drobné přidané gagy jsou hlavním zdrojem humoru. Samotný text hry působí hodně zastaralým dojmem, je až neskutečně upovídaný. Herci ho na diváky chrlí kulometnou kadencí, takže je obtížné ho v celistvosti vnímat, ale režie naštěstí zrychlenými dialogy docílila toho, že jednoduchý děj pádí kupředu bez výraznějších hluchých míst.
Pod vším tím lamentováním o lásce se skrývá i stále aktuální téma manipulace a hry s lidskými emocemi. V rozverném duchu černobílé grotesky ale tohle téma příliš do popředí nevystupuje.

Dubský: Grand Festival smíchu (pátek 25.1. + sobota 26.1. + neděle 27.1.)

$
0
0

Pořádající Východočeské divadlo Pardubice má tu výhodu, že nasazuje soutěžní komedii každý festivalový ročník. Letos padla volba na hru Alana Ayckburna Z postele do postele. Festivalové představení jsem neviděl, inscenaci jsem měl ale možnost zhlédnout při premiéře.
Z postele do postele není zápletkovou komedií plnou záměn a omylů. Největším zdrojem humoru tu jsou drobná nedorozumění v partnerských vztazích, u některých neshody na nepodstatných drobnostech, zatímco u jiných hádky svědčící o vážné manželské krizi.

Vzhledem k tomu, že neshody pramení především z odlišností jednotlivých charakterů, je nutná delší expozice. Pomalejší rozjezd naštěstí vynahradí druhá polovina představení, která už je očekávaným gejzírem vtipných situací. Velkou zásluhu na tom mají především herci, kteří dokáží scény zdařile pointovat, hlavně dvojice Petra Janečková – Milan Němec na sebe opravdu „slyší“ a z jejich souhry se daří vytěžit mnoho vtipných okamžiků.
Z postele do postele (foto Jiří Sejkora)
Sobota patřila Městskému divadlu Zlín a komedii Upokojenkyně. Hra z neobvyklého prostředí domova pro seniory vznikla pro kladenské amatérské divadlo V.A.D. a jejím autorem je zakládající člen tohoto spolku Jan Červený. Nejtěžší okamžiky v lidském životě je třeba si ulehčovat humorem, kterého mezi starými lidmi s demencí a Alzheimerovou chorobou nachází inscenační tým překvapivě mnoho. Nijak se nemocným seniorům nevysmívá, ale zároveň se nejedná o laskavou komedii plnou pochopení k neduhům stáří. Milovníci černého humoru si při sledování Upokojenkyně přijdou na své, dějové zvraty kolem „eutanazie“ paní Vrbičkové dají vzpomenout na některé mcdonaghovské twisty, byť v méně cynickém balení.
Dvojici seniorek, v jejichž pokoji se příběh odehrává, ztvárnily s pochopením, ale i potřebnou mírou nadsázky Jana Tomečková a Milena Marcilisová. Na první pohled zaujme scéna Pavla Boráka, kterou tvoří koláž starých fotografií z mládí obou hlavních představitelek. Kulisy tak divákům neustále připomínají, že pod zábavnou slupkou se hraje o pomíjivosti lidského života. Okamžiky přestaveb příjemně vyplňuje dixielandová kapela Jazzubs.
Upokojenkyně (foto Marek Malůšek)
Soutěžní přehlídku uzavřelo Městské divadlo Brno s klasickou komedií Lakomec. Vstupenky byly vyprodané za čtyři minuty, hlavním lákadlem byl Boleslav Polívka v roli Harpagona. Režisér Stanislav Moša nesvazoval slavnému komikovi ruce a Polívka se tak v Molièrově textu pohybuje velmi volně. Jeho herečtí kolegové se musí mít neustále na pozoru, nikdy neví, kdy se představitel Harpagona odhodlá k nějaké drobné improvizaci. 
Lakomec (foto Tino Kratochvil)
Inscenace působí živým dojmem, místy má člověk opravdu pocit, že některé scény vznikají na místě tvůrcům přímo pod rukama. Skvěle si s Polívkovým stylem herectví rozumí především Alena Antalová jako dohazovačka Frosina a Michal Isteník v roli kuchaře a kočího Jakuba. Polívka zdolává roli Harpagona svým nezaměnitelným, i když očekávaným způsobem. Starý šlechtic milující nade vše svůj majetek je smutným klaunem, člověkem, který (z velké části vlastní vinou) ztratil kontakt se svými blízkými a v každém vidí potenciálního nepřítele. Nenechme se ale mýlit, jeho okolí netvoří křišťálově čisté charaktery, jeho děti či sluhové mají vlastní cíle, za kterými si mnohdy jdou stejně nelítostně jako Harpagon za mamonem. Polívka sice dokáže některými improvizacemi své herecké kolegy odbourat a inscenaci na chvíli spadne řemen, ale pod vší tou lehkou zábavou se neztrácí Molièrova jízlivá kritika lidských chyb a skepse ohledně jejich nápravy.



Mikulka: Panna Orleánská (Divadlo D21)

$
0
0
Po příjemném překvapení z rubínovské premiéry Thelmy a Selmy jsem se delší dobu chtěl podívat, jak si režisér Jiří Ondra vede v domovském D21, ale pořád to nějak nevycházelo. Až teď, s dva roky starou Pannou Orleánskou. Zážitek z toho byl zhruba tak střední, žádný průšvih, ale ani velké nadšení.



Obecně známý příběh Johanky z Arcu je sestaven z řady střípků pocházejících z nejrůznějších zdrojů, přičemž základem je soudní přelíčení, ve kterém Johanka s pevnou vírou ve své poslání vytrvale odráží otázky francouzského biskupa-soudce, zatímco perfidního zástupce anglické moci pomalost přelíčení soustavně rozčiluje (najevo to ovšem dává prostředky až ochotnicky názornými, což je jeden ze základních a opakujících se zádrhelů celé inscenace). Do soudu se prolínají výjevy z Johančiny cesty ze zapadlé vesnice až ke slavné korunovaci v Remeši. V roztrojené figuře se uplatní další dvě dámy: nejlépe se daří Kristýně Podzimkové (představuje „střední Johanku“), nejspíš i díky tomu, že na rozdíl od obou kolegyň hraje podstatně konkrétnější, dramatické situace – přičemž jí viditelně sedí, když může jinak spíše pokorně heroickou postavu předvést s trochou ironického odstupu.



Představení má docela sugestivní náladu, do značné míry i zásluhou toho, že se tu hodně (a velmi dobře) zpívá a provozuje živá hudba. Z čistě hereckého hlediska byla ovšem nejpovedenější pasáží celého představení scéna téměř tradičně komediální: Johanka v ní s bezostyšnou „ženskou“ mazaností brnká na strunu mužské ješitnosti vojenského velitele, ze kterého chce vymámit koně a ozbrojený doprovod (tady si Podzimková dobře rozuměla s Lukášem Šolcem). Navíc je právě tento výjev odlehčeným pandánem k tomu, co tvoří osu celé inscenace. Johanka zde totiž není ani tak historická postava, spíš pevná a cílevědomá žena mezi dílem nechápavými a dílem nepřátelskými muži. (Vida, cosi z Thelmy a Selmy si tedy Ondra vyzkoušel už zde). V závěru je to předvedeno i ve výtvarné podobě, když si všechny tři protagonistky postupně svléknou mužský oděv a objeví se ve vyzývavých rudých šatech – což je zároveň vítězství i porážka, protože právě do „normální“ ženské role se mužští protivníci snažili Johanku zatlačit už od samého začátku .

Více informací zde
foto: Jana Hrabovcová, Lukáš Vodseďálek




Mikulka: Europe Connexion: Evaluace kvality a etiky v evropských veřejných zakázkách (Divadlo Letí)

$
0
0
Milí přesvědčení diváci,

pokud se chcete zase jednou společně utvrdit v přesvědčení, že svět je černobíle přehledný a že za vší zdejší špatností i bídou stojí cyničtí, bezohlední a všehoschopní lobbisti propojení s neméně bezohlednými politiky a průmyslovými podniky, nelze vám než novou inscenaci Divadla Letí vřele doporučit.

V takovém případě se nejspíš snadno smíříte i s tím, že dotyčná hra je značně prvoplánová a ideologizující, a snad dokonce i s tím, že se v ní vlastně mele pořád dokola to samé. Režie i trojice herců se ostatně s úsilím hodným lepší věci snaží onen monolog sice fiktivního, ale jinak příkladně odporného bruselského lobbisty co možná nejvíc rozehrát a doplnit různými legráckami či ironickými odskoky.



Pokud přesvědčení nejste, doporučuji raději setrvat v pohodě vaší vlastní sociální bubliny. Stejně tak, pokud sice přesvědčení jste, ale o něčem jiném: třeba že za všechno zlo světa můžou ilumináti, židi, CIA s Mossadem, Soros, neziskovky a tak podobně. Pokud se vás najde dost, máte slušnou šanci, že se podle zákona nabídky a poptávky i vy jednou dočkáte uměleckého díla, které vaši víru v černobílý svět pohladí po srsti stejně mile a bezpečně, jako teď vaše kolegy hladila Evaluace kvality.

Více informací zde
O inscenaci budu psát do Deníku N
Foto facebook Divadla Letí
Viewing all 1135 articles
Browse latest View live